"Como el otro, este juego es infinito "(…)
"Dios mueve al jugador, y este, la pieza.
¿Quien detrás de Dios la trama empieza
de polvo y tiempo y sueño y agonia?"
Jorge Luis Borges, Ajedrez
A veces la vida nos hace encontrar con recuerdos; y este rincón de Buenos Aires que es Villa Lugano me hizo viajar muchos años atrás, a mi pasado de estudiante, a esos barrios con encanto, perfume de flores y jardines cuidados con esmero.
Una bella casa y una artista como pocas -por su trabajo constante y valedero- que nos espera tras su puerta. Buenas obras y una conversación gratificante dejan al descubierto, en Marta Aguilera, a una destacada discípula de los grandes maestros argentinos, que concurrió a los talleres de Roux, Puente, Rey, Gorriarena, Noé o Ponciano Cárdenas. Alumna de escuelas que hicieron historia, como "La Pueyrredón o La Cárcova"; no asombra la calidad de sus imágenes, el paso académico destacó e hizo aflorar sus condiciones plásticas naturales.
Su obra está llena de dinámica visión, convergencia clara de los distintos estilos que fue recorriendo en su extensa trayectoria plástica y que ahora, en plena madurez intelectual, queda grabado como un estilo propio de clara identificación personal.
Las imágenes que hoy vemos tienen comunicación con la música y sus instrumentos que, vibrando en notas de color y misterio, hacen que viajemos a un mundo interno mágico, que aún se destaca en la delicada monocromía de algunas de sus obras. Nada es ajeno al talento de su pincel, tanto bodegones como paisajes, retratos o musicales abstracciones, que guardan un cuidadoso estilo adquirido con innegable oficio plástico. Pintura con válidos fundamentos y certezas en las palabras y los recuerdos, hacen que al vivirlos intensamente, se los pueda trasmitir a la tela.
Marta expone con frecuencia en Art Road, Clásica, o con sus destacados alumnos en Expo-artistas 2011. Durante la visita a su taller nos llena de satisfacción saber que su producción sigue brindando sorpresas de calidad y que es la de siempre: clara, sencilla y amena. Cordial con un café de por medio, con su perrita, con Agustina que nos atiende amable y gentil; porque lo cotidiano pertenece a los placeres de su casa, de su vida y de su obra.
Pronto la veremos en alguna muestra con su obra, idioma de expresión de encantador misterio, y para decirnos en qué nuevo camino transcurre su devenir, en el que mostrar es también decir al mundo la pertenencia de su estilo, el camino que recorre y el misterio que habita en su mundo plástico.
Mario Restaino
DANIEL AGUIRRE, ARTISTA INMIGRADO
Jorge Carrión
La Boca nació del mar: Aunque fuera erigida a orillas del Riachuelo, su esencia es marítima. De un mar inmigrado. Paseando por las calles de ese barrio se describen anclas varadas para siempre en el rincón de un garaje, tiendas que venden aún trajes impermeables para faenar en alta mar, casas donde el baúl del bisabuelo se ha convertido en una mesita, una soga olvidada o, sobre todo, rostros labrados con rasgos europeos. Barrio de alma ultramarina, en que chapa migró de los barcos a los conventillos para devenir urbanismo collage: viva obra de arte.
También Daniel Aguirre inmigró a La Boca, desde algún otro barrio porteño seguramente menos interesante. Lo hizo movido por una inquietud artística. Desde entonces el paisaje de Quinquela Martín y tantos otros pintores es también el suyo. En el centro de su interés: la figura del conventillo. Casa palimpsesto; habitáculo múltiple; estructura de materiales humildes que perduran como si fueran nobles, que se hicieron nobles, de hecho, a copia del sudor de quienes los habitaron y de años y de capas de pintura y de fotografías y de cuadros. Porque el arte ennoblece los espacios.
Durante los seis meses en que viví en La Boca, hablé sobre esos temas con Daniel en su mesa diaria del café Roma o a la entrada del locutorio de Juan Croce o en su taller cercano a Caminito. Poco a poco descubrí el método de trabajo que desemboca en sus cuadros mestizos. En ellos conviven la pintura, la fotografía, la fotocopia, el ensamblaje y cuanto experimento se le ocurra para retratar lugares urbanizados del barrio. Son la culminación de paseos con la cámara en ristre, a la caza de puentes, estaciones de tren o conventillos que aún no han sido registrados por su ojo avizor. Y de ensayos de combinaciones de materiales como la madera, la película fotográfica caducada o el cartón que imita texturas de la chapa. Tal vez porque es inmigrante secundario, tal vez porque no nació en La Boca, busca esa distancia entre sus composiciones y las composiciones reales, y en vez de trabajar directamente con la madera de los raíles, el metal de los puentes o la chapa de los conventillos, indaga en la mejor forma de re-producirlos, de re-presentarlos.
La figura humana está proscrita en la obra gráfica de Daniel Aguirre. Pero eso, lejos de deshumanizarla, le da una profundidad absolutamente humana. Porque en ese puente de Avellaneda reconstruido o en esos fragmentos de casas de inmigrantes con que acompaño estas palabras están las muescas del esfuerzo de los hombres que construyeron. Y detrás, una mirada. La de un artista inmigrado a La Boca para tratar ennoblecerla con su trabajo.
J.C. es escritor español, colabora habitualmente en diversos medios, como el diario Metro de Barcelona o El Cultural de Uruguay.
Maestro Nacional de Dibujo, Profesor Nacional en Pintura. 1990, obtiene el título de Licenciado en Bellas Artes, Sección Pintura del Ministerio de Educación y Ciencias de Madrid, España. En 2003 Licenciado en Artes Visuales Especialidad Pintura y Profesor de Artes en Artes Visuales Especialidad Pintura, IUNA.
Desde 1986 desarrolla una nutrida actividad artística y docente. Participa en innumerables muestras individuales y colectivas a nivel nacional e Internacional. Subastas, concursos y salones. Habiendo sido distinguidos con innumerables premios. Sus obras pertenecen a varias colecciones institucionales, museos y privadas del país y el extranjero. Desde el 2004 es Docente Investigador del Programa de Incentivo a la Investigación del Ministerio de Educación, siendo investigador de carrera, categorizado por el CIN. Ocupó y ocupa cargos de gestión en distintas Escuelas de Artes pertenecientes al Ministerio de Educación de la Nación y del Gobierno de la Ciudad de Bs. As., Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” y la Universidad Nacional del Arte. Ha dictado numerosos cursos, charlas y talleres vinculados con el arte.
Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.
"Soy sobre todo pintor, un pintor que goza del manejo de su técnica, que disfruto construyendo obra a partir de la materia. Mi trabajo surge de adentro hacia afuera de la superficie, de la materia, hacia la forma y el color que son parte de ella, porque ella es el soporte del discurso constituido a partir de una incisión que genera un dibujo primitivo, en el sentido de lo primigenio de mi mundo y su entorno. Con significantes aparentemente simples, construyo un mundo complejo, entre el texto visual y contexto de mi vida, una serie de imágenes donde manifiesto ideas y gustos. Busco que el espectador, sienta alegría, ante mis obras. Me he declarado obrero de la pintura en la docencia y en mi vida académica."
"Nacida en el ambiente artístico, autodidacta... Todo comenzó en mi niñez, era muy extrovertida (aun lo sigo siendo) e independiente, desde muy pequeña me aislaba y llevaba al papel todo aquello que me rodeaba, payasos, equilibristas, ciudades y costumbres distintas que plasmaban en dibujos con un toque personal.
Fue en mi adolescencia que tuve mi instinto de tomar en serio el arte, tenia tanto adentro que empezó a salir, mi musa gritaba queriendo explotar.
En mi adultez sigo haciéndole caso a mi yo interior, dibujo, pinto, creo nuevas obras de arte, me expreso sin límites y con pasión a través de la pintura porque amo lo que hago....
Mis obras, que puedo decir de mis obras?... Son un poco mitad yo, mitad sueños y fantasías que las transformo en obras sobre lienzos que muestran al mundo mis creaciones llenas de sensualidad, fantasías teatrales de noches y vino.
Las concubinas, son el lado oculto de mi ser, mitad yo y mitad musa, pude plasmarme y es mi creación mas personal.
Aquiles, mi héroe y ejemplo masculino que lideró batallas en nombre de nadie y que jamás se inclinó ante un rey, es uno de mis trabajos a conquistar.
Venecianos... Sensualidad y misterio son temas que me apasionan y siempre están en mis lienzos."
José Galván nace en la ciudad de Santiago del Estero en 1967. Llega a Buenos Aires en el año 1988 y comienza a transitar sus primeros pasos en las artes plásticas concurriendo a diversos talleres.
Al transcurrir el tiempo fue encontrando en la pintura su canal de expresión y se convierte en el artista que hoy nos maravilla con sus obras.
En su atelier de Olivos se dedica a transmitir su técnica y conocimientos, tratando de dejar a sus discípulos más que una enseñanza, un estilo de vida a través de la pintura.
La abstracción, la estructura compositiva y el colorido de su obra transmiten esa fuerza que el autor le ha impuesto, donde la diversidad de colores obliga a recorrerla en forma minuciosa e ir descubriendo pequeños fragmentos que se convierten en nuevas obras en la mente del observador.
Artista Plástica autodidacta, dedicada especialmente a la pintura. Técnica: óleo con espátula sobre tela.
Exposiciones individuales
2013
Muestra “Osada Serenidad Femenina”. Sala Consejo Deliberante Ciudad de Neuquén. Argentina.
Escenografía Telefilm “Bienvenido Brian”- Revelarte Producciones. CABA. Argentina.
Exposiciones colectivas
2018
Salón Art Shopping 2018. Art Shopping París, 23e édition au Carrousel du Louvre.
Expo-Artistas 2018- Feria Internacional de Arte. Centro Cultural Borges. CABA
2016
Exposición Internacional Colectiva de pintura, Expo Punta Arte 2016- Punta del Este. Uruguay.
Exposición Pictórica Internacional. Ciudad de New York. EE.UU
Mi obra tiene que ver con la expresión personal del alma, donde todo fluye con sentido y sin él, donde cada espacio de pintura tiene un porque y un como para poder resolver la obra, para poder resolver la vida en la que estamos inmersos todos aquellos que sentimos que nuestra obra es nuestra vida y el arte, nuestro mundo en el cual podemos sobrevivir a nuestra sensibilidad y del mundo que nos rodea.
Nacida en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en 1978. Nacionalizada italiana. Reside en Catania, Sicilia. Ella se graduó en la Escuela de Bellas Artes Rogelio Yrurtia en 1995, luego se graduó en Abogacía en 2002, se especializó en Derecho de Familia en Posgrado en 2007 en la Universidad Nacional de Buenos Aires.
Realizó varias publicaciones de libros, entre ellos "La Gran Telaraña", edit. Distal (2017) y Violencia Familiar, edit. Hammurabi (2017). Llevó a cabo durante muchos años la docencia de plásticas y de derecho. Siendo sus pasiones la pintura y la escritura.
Forma parte de una Galería de Arte en Catania, Sicilia "Centro Arte" inspirada en el diseño y la fotografía.
El arte abstracto es una de las manifestaciones de Sil Bentivegna cómo asimismo el arte pop y los collages. A través de sus obras busca una forma de expresión artística proponiendo una nueva realidad distinta a la natural. Un lenguaje visual a través de colores vivos. Intentando expresar un recorrido a fin de contrarrestar el simbolismo personal mediante lo abstracto, la repetición, manipulando formas, objetos y colores. Rompiendo en cierta forma la vidriera del desencanto y la frivolidad de la sociedad.
Ha llevado a cabo diversas exhibiciones en el marco de encuentro de artistas cómo asimismo muestras individuales.
Muestras individuales: agosto 2015, Facultad de Derecho, Salón de los Pasos Perdidos.
Muestras colectivas: desde el año 2015 al 2017 ha participado en varias exhibiciones, en el marco del Gallery Night (2016/2017), Obsesionarte (julio 2016), Noche de los Museos (2016), Arte Espacio (agosto 2016), 5artes (marzo 2017) Centro Cultural Borges, UNLAM, Universidad de La Matanza (mayo 2017), ARTEME (2015/2016/2017), Expo-artistas (2017), Lunática, Hipódromo de Palermo (2018).
Docente Superior con especialidad en artes plásticas. Coach ontológico. Estudia danza y teatro.
Estudió dibujo con Ernesto Pesce, grabado con Eduardo Gualdoni y Nestor Goyanes, pintura con Jesús Marcos, hizo clínica de obra con Gerardo Feldstein, María Emilia Marroquin y en la actualidad con Fabiana Barreda.
Esta obra pertenece a la serie “El cuerpo como paisaje”, son dibujos y acuarelas intervenidas con pasteles y carbonillas. Surge de una búsqueda de la esencia de nosotros mismos, de nuestra comunión con la naturaleza, el ser parte de ella y reconocernos en un mismo lenguaje.
Existen en la producción plástica de Susana Bonnet destacadas constantes pictóricas. Lo vemos en la capacidad para componer visiones subjetivas. Su formación artística ha sido bien orientada, con los maestros Félix González Mora y Ricardo Laham. La capacidad para poder desarrollar una secuencia compositiva dentro de la abstracción figurativa, muestran su versatilidad en cuanto a sus inspiraciones.
Este proceso pictórico de abstracción tiene dos elementos destacados, uno de ellos es la armonía cromática, y el otro la interesante grafía imaginaría en torno al signo plástico, donde la artista elije determinadas configuraciones para articular una personal escritura pictórica.
Esta calidad artística, producto de un trabajo sistemático, se puede observar en el óleo una fuerza energética exuberante emana de la tensión que se produce en el entrelazado de las pinceladas que semejan una urdimbre radiante y el color es una fuerza que crea.
Observamos la calidad de los planteos cromáticos cuya vibración y fuerza vital atraen al conocedor de la pintura, como obra basada en resoluciones puramente rítmicas y cromáticas logrando atrapar inmediatamente la mirada del contemplador.
Rosa Faccaro
Asociación Argentina e Internacional de Críticos de Arte.
María Eugenia Caprio es Profesora y Licenciada en Artes Visuales con mención en Artes del Fuego egresada de la U.N.A.
Ha participado en numerosas muestras y exposiciones, obteniendo en el 2006 el 1º Premio en el XLVIII Salón Anual Internacional de Arte Cerámico.
En el 2009 gana una beca otorgada por el gobierno Suizo y participa en el proyecto del Museo de Bellas Artes de la ciudad de Yverdon les-Bains, Suiza y en el año 2012, con el apoyo y aval del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, realiza una residencia como artista en la ciudad de Florencia, Italia.
Actualmente se desempeña como docente en el Colegio Ward y en la Universidad Nacional de las Artes -U.N.A-."
Castelnuovo, Rosana
Buenos Aires, Argentina
Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” especializada en Pintura en el año 2003. Fue alumna de Guillermo Cuello, Roberto Firpo, Enrique Burone Risso, Norberto Pagano y Alfredo Portillos; además de haber estudiado en forma particular con la Profesora Cristina Martinelli realizó cursos de Fotografía.
Se desempeña como docente de Arte en el Colegio Ward de Villa Sarmiento, en el Colegio Ramos Mejía, en el Colegio Parroquial Juan XXIII de Ramos Mejía y en el Instituto Padre Elizalde de Ciudadela. Dicta clases en su taller particular en Ramos Mejía, provincia de Buenos Aires donde actualmente reside.
Participó en las siguientes exposiciones:
2007 - Pinturas. “Tres artistas, Tres miradas”. Aden Center, Colegio Ward
2005 - Pinturas. Pasaje Belgrano.
2004 - Pinturas. Casa de la Cultura de Vicente López.
Teatro Roma, Avellaneda.
2003 - Pinturas. Espacio de Arte “El Garage”. Salón Mondrian
2003 - Fotografías, Objetos e Instalaciones. Espacio de Arte: Departamento de Artes Visuales Prilidiano
Pueyrredón (IUNA).
2002 - Estandartes de Artistas del Oeste. Ramos Mejía, Organizado por Marino Santa María, Ana María
Carrió y Nora Croatto.
Pinturas. Antigua Casa de la Moneda, San Telmo.
Pinturas. Unidad de Gestión Nro.2, Municipalidad de Morón, Haedo.
Fotografías. Espacio de Arte “El Garage”, Haedo.
1998 - Pinturas. Cyberarte, Morón.
En mis blancos y en mis negros están todos mis colores.
Inquieta, curiosa, deseosa de sentirse partícipe de lo que sucede en su tiempo y a la vez empujada por su propio mundo interior, generando imágenes de mayor síntesis pero mucho más auténticas, ese es el mundo de Raquel, a veces invadido por planteos de una pretendida "vanguardia" que la inquieta, pero a la vez y por fortuna, desrrollando imágenes sentidas, sin más pretensión que la de expresar su mundo interior, cargado de humanismo, sin quere llamar la atención a nadie y solo apuntando a la sensibilidad de quien contemple sus esculturas
Leo Vinci
A decir verdad siempre me atrajo el arte de plasmar en un papel todo tipo de paisajes,esa manía desde pequeño de dibujar todo, pero desde hace dos años descubrí las técnicas de pintar al óleo !!!! Algo realmente fantástico con todo un mundo nuevo de posibilidades de técnicas, colores y perspectivas, que me llevan de viaje y puedo sentir que estoy dentro del paisaje.
Constantino, Paloma Agostina
Buenos Aires, Argentina
Para Salvador Costanzo la pintura no es un lugar para que se precipiten nuevas ideas, sino un espacio de desarrollo y permanencia de conceptos adquiridos. Sin embargo, la manera de perseverar sobre una personal ordenación plástica lo enaltece porque muestra, una y otra vez, aquello que es: un niño que juega al infinito con la permanente estructura de su ser.
Como un chico travieso que se hizo amigo de los magos, Costanzo alcanzó un orden mental sensible e indestructible, pero que ante la mirada del iniciado no permanece intacto.
Una vista rápida y superficial no reconocería vicisitudes o acontecimientos que están presentes en las imágenes. Pequeños planos de color, ubicados en un sector de la tela, por instantes desaparecen y reaparecen en una nueva sección. En otros momentos es la intensidad de la luz la que se disuelve, en su recorrido, como una lluvia de luminosidad; o por el contrario, concentra su energía con tal fuerza que borra los rastros de color a su paso. Estos cambios sutiles pueden no ser vistos y pasar inadvertidos del mismo modo que sucede con el acostumbramiento diario de quienes necesitan en las noticias oír tronar el escarmiento.
Pero Salvador Costanzo no se deja tentar por ello, en su cosmovisión del mundo queda retratada la más conmovedora de las confidencias: los accidentes del alma humana.
Julio Sapollnik
Arte y Vida se fusionan para convertirse en estas pequeñas obras de arte
que podes tener en tu hogar. Sólo necesitan una buena ubicación y un poco de amor.
Este tipo de piezas nunca pierden su valor, al contrario lo incrementan año con año
Obras de arte con plantitas! producto creado y diseñado por Artista Mariu Cucurullo para vos!
Las obras se entregan con CERTIFICADO DE AUTENTICIDAD, firmado por la artista.
La obra de Leonardo Cullari tiene la intención de hacer coexistir conceptos vinculantes entre lo sonoro y lo visual. La interrelación entre los campos genera una manera propia de componer, tanto visual como sonoramente, que como consecuencia da un resultado en sus obras donde los elementos utilizados están en perfecto equilibrio, sin perder la potencia de la materia y gestualidad.
Nacido el 31 de mayo de 1979 en Buenos Aires, Leonardo Cullari es un artista visual y músico con amplia formación y trayectoria en ambas disciplinas. Comenzó sus estudios artísticos a los 7 años de edad en el IVA (Instituto Vocacional de Arte). Incursionó en el dibujo animado desde los 9 años a los 12. A los 14 años ingresó al Conservartorio Carlos López Buchardo. Licenciado en Artes Visuales en las orientaciones en las orientaciones de dibujo y pintura del UNA donde estudió con Guillermo Cuello Alfredo Portillos, Jorge Alvaro, Gabriel Baggio, Carolina Golder, Jackie Miller, Andres Denegri, Carlos Carmona, Domingo Florio, Carlos Fels y otros. Realizó también diversos trabajos de ilustración.
Egresado de la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Cursa actualmente el Taller de Composición de Ricardo Capellano en El Conservatorio Manuel de Falla. Estudió arreglos y composición con Lito Valle. Se desempeña en el rubro musical como compositor, arreglador y saxofonista con una sólida formación. Con 12 discos de estudio grabados a la fecha, 9 giras internacionales y habiendo tocado con músicos de la talla de Charly García, Flavio Cianciarullo, Willy Crook, Sergio Pángaro, Gillespie, Sergio Dawi, Luciano Jr., Sergio Rotman, entre otros.
En Octubre de 2017 dio una ponencia en el II Congreso Internacional de Artes. Revueltas del Arte con temática "Diálogo Compositivo entre lo Visual y lo Sonoro"
Exposiciones y premios de artes visuales
• Exposición “Mixturas Sensoriales”– L. Cullari, Sala P. Pueyrredón |Junio 2018|
• Seleccionado Salón Prilidiano Pueyrredón |Octubre 2017 | Sala de exposiciones de la UNA.
• Exposición, Jam de dibujo, Música, Danza Jamón Jamón en el MOPA | Junio 2017 | Muestra Colectiva
• Casa de la juventud de San Isidro | Noviembre 2016 | Muestra Colectiva
• Asociación española de San Isidro| Junio de 2016 | Muestra colectiva
• Remate de obras | Noviembre de 2015 | Muestra colectiva. Casa Cultural Víctor Jara.
• Mural del Grupo: "FA"| Mayo - Junio de 2015 | Sede IUNA Bartolomé Mitre 1869 CABA
• Av. Corrientes y Av. Callao - Expontánea |Diciembre 2013| Curaduría GRUPO P.A.T.E.|
• Cultura de General Rodríguez l Discípulos de Florio| Noviembre de 2013 | Curaduría GRUPO P.A.T.E. |
• Casa PRESA exposición grupal GRUPO P.A.T.E. | Noviembre de 2013 | Curaduría GRUPO P.A.T.E. |
• Casa de Arte CAFFARENA exposición grupal GRUPO P.A.T.E. | Julio de 2013 | Agustín R. Caffarena 86 - CABA | Curaduría Proyecto Checa |
• Honorable Concejo Deliberante de San Isidro exposición grupal GRUPO P.A.T.E. | Junio de 2013 | 25 de Mayo 457 – San Isidro | Curaduría GRUPO P.A.T.E. |
• Galería MITRA Arte Argentino Contemporáneo exposición grupal GRUPO P.A.T.E. Noviembre 2012 | Av. Santa Fe 1660 - Local 70 - CABA - Curaduría Lic. Domingo Florio |
• Seleccionado Salón Pueyrredón. 2009 – Centro Cultural Recoleta
• Seleccionado Salón Pueyrredón. 2008 – Centro Cultural Recoleta
• Seleccionado Salón Raúl Alonso. 2008 – Museo Fundación Rómulo Raggio
• Mención Especial del Jurado Concurso de Croquis. 2008 – Municipalidad de Vicente López
• Exposición “El punto, la línea y el gesto” . 2008 Espacio de Arte Prilidiano Pueyrredón
• Exposición Colectiva Artistas Jóvenes. 2007 – Municipalidad de Merlo
• Seleccionado Salón Raúl Alonso 2007 – Museo Fundación Romulo Raggio
• 1er premio concurso de Croquis 2007, Municipalidad de Vicente López
• Willy Crook & Funky Torinos. 1998 Muñecos y escenografías para el grupo.
Boliche "El Porvenir": una forma de rememorar vivencias y gratos momentos vividos durante mi infancia y adolescencia.
Creo que la pintura está reencontrando de vuelta el camino extramuros de la inmediatez de las galerías. Y si bien es cierto que estos espacios, sirven para encuentros y promoción de nuestro quehacer, es necesario a la vez volver a una suerte de edad oscura, íntima, donde nos juguemos fuera de esa agenda que Augé con tanta claridad describe.
Pintar, es comulgar con una sinceridad sin límites y en eso adhiero a las posturas de Odd Nerdrum y Paul Rumsey, que igualan en actitud la de Arvo Part o Górecki en música o el cine de David Lynch o Greenaway.
Mis obras tratan de ofrecerme a mí mismo lo que no veo en el resto de la pintura. Y aunque parezca una afirmación vanidosa, no lo es, ya que mi único anhelo es superarme técnicamente para encarnar las ideas que se me cruzan por descabelladas que estas sean.
Sólo encuentro libertad en los espacios ambiguos, en esos rostros que están más allá de lo femenino o lo masculino.
ESTER DENTICE - ANDANTES
En las esculturas de Ester Dentice las formas se desarrollan libremente, como si fueran elementos de la naturaleza en expansión. Ella crea esculturas “orgánicas” que aluden a la naturaleza como potencialidad que produce formas al desarrollarse.
Al interpretar la morfología de la naturaleza en sus aspectos más impalpables y vitales - con una dinámica interior que parece querer captar el soplo de la vida- retoma el concepto de natura naturans como fuerza creativa que crea naturaleza, diferente del concepto más específico de natura naturata, donde esa fuerza toma cuerpo, por ejemplo, en la figura reconocible de una planta o de una flor.
La riqueza formal de los trabajos de Dentice es, al mismo tiempo, riqueza emocional ligada a una suerte de sensiblidad neobarroca, caracterizada por la búsqueda de emociones, drama y grandeza.
La profusión emocional y el caudal sensual -manifestado en planos metálicos que se cortan y se doblan una y otra vez- revelan asimismo una inclinación por la estrategia barroca del pliegue. Y así, nos sorprende con planos que se despliegan y repliegan; algunos luminosos y otros opacos, de acuerdo con la incidencia móvil de la luz.
Una dialéctica tensa y vibrante apela a un ojo dinámico, a nuestras percepciones conscientes o inconscientes que cambian el modo de acercarnos a los objetos y revelan la relatividad de un punto de vista privilegiado.
A través del gesto ágil, Dentice apela al mundo límpido de las armonías que concilian opuestos. Hay poesía en esta conciliación de las diferencias, materializadas en instalaciones “coreográficas” o “teatrales”, que dejan traslucir que, junto a la naturaleza, lo humano ocupa un lugar central en el universo de Dentice. No es casual su interés permanente por la danza o por el teatro como lugar en el que el mundo se muestra en su más alto grado de visibilidad. Es lo que se pone de relieve en la teatralidad de Andantes o en los movimientos armoniosos de la serie Coreografías del andante.
Elena Oliveras
Esculturas realizadas con materiales reciclados. La naturaleza es mi fuente de inspiración, no solo a través de la mirada, observar y sentir el nacimiento de una nueva flor, un nuevo brote de vida, sentir el viento, el rocio matinal, la tierra húmeda después de la lluvia, todos nuestros sentidos puestos a su servicio, poder tocar y percibir que somos parte del todo, que estamos vivos.
Nace en Buenos Aires, Argentina en 1949. Con una amplia trayectoria iniciada en Computación Científica, Sara Diciero logra convertirse en una destacada y multifacética Artista Plástica que refleja sus sueños desde Buenos Aires, a través de la pintura, las Instalaciones lumínicas, el dibujo y el arte digital.
Realizó 38 muestras individuales en Argentina.
Expuso en las principales ferias de arte del país y participó en concursos nacionales, municipales y privados en los que obtuvo 49 premiaciones en pintura.
Se desenvolvió como jurado en concursos de pintura e ilustró libros de poesía y de cuentos.
Alumnas de todos los niveles del colegio y de la Universidad han realizado trabajos especiales basados en su obra, inclusive estudiantes de Costa Rica y Colombia. Se recomienda el estudio de sus cajas lumínicas en Instituciones educativas de España.
La dualidad juega un papel fundamental en mi proceso creativo. Me planteo la existencia de dos fuerzas fundamentales, opuestas y complementarias. Me moviliza saber que una no existiría sin la otra. Que el cielo no existiría sin el infierno, ni la belleza o la armonía sin la fealdad o la desproporción y viceversa.
Pero...
Quién determina lo que es bello de lo que no?
La belleza, es el equilibrio entre el orden y el caos?
Qué define a una mujer hermosa, su interior o su exterior?
Preguntas que me hago y te hago a vos, espectador...
Me desafío y te desafío a romper con los patrones establecidos.
Te propongo, mirar con otros ojos, los tuyos o los míos o con esos, que espero, jamás se cierren
Silvana Drasich
El poder de la sensibilidad
Si es cierto que, como decía Baudelaire, el arte no se explica, se siente, entonces no cabe dudas de que Julia Farjat es una verdadera artista: su obra tiene la rara capacidad de lograr conmover al que la observa, más allá de que cada pieza pueda tener tantas lecturas como espectadores. Es una obra poderosa. Tiene una fortaleza interna, potente, que nace de sus propios sentimientos y sensaciones.
Parte de un profundo respeto por el arte, por la escultura, por los materiales con los cuales trabaja. El mismo respeto con el que habla de sus maestros: Tavella, Balietti y Agosta, de cada uno de los cuales, toma algo distinto. Todo puesto al servicio de la expresión, de la comunicación. Se ha dicho que la obra de Julia “parece hecha por un hombre”, aludiendo a la fuerza que maneja. Esta afirmación, más allá de las obviedades machistas que se pueden deducir, tiene una ambivalencia que se percibe al conocer al artista: uno se enfrenta a una mujer delicada, casi frágil, cálida, sutil. Todos adjetivos que también se adaptan a su obra, pero al mismo tiempo cuesta imaginarla con una motosierra en mano o con un soldador trajinando chapas que le doblan la altura. Sin embargo, para el ojo más cercano, la ecuación cierra: esa fuerza, esa propia vida. Julia esculpe como vive: intensamente.
En estos tiempos, en que tantas veces la novedad es tomada como un mérito en si misma, Julia abreva en lo más clásico de la estética americanista, sin perder de vista su propia expresión. Es un ejemplo de coherencia, prueba de que el arte está allí donde se plasme una verdadera emoción, conjugada con una técnica impecable, lejos de efectismos y juegos visuales. Julia no se conforma nunca. Indaga en los materiales (creo que no ha dejado uno sin investigar), indaga en las formas, indaga en las terminaciones y planteos.
Investiga incesantemente en una tarea continua y empecinada: sin pausa, viene trabajando un lugar de humildad que la hace enorme, con mucho menos de la mitad de lo que ha conseguido en su trayectoria artística y sin embargo, Julia Farjat continúa con la misma intensidad de la primera vez.
Empieza todo los días desde el principio, porque lo hace por el placer de la obra en sí, por el placer del encuentro con el material. Y el material, necesariamente, le responde.
Creo que su enorme fuerza radica en no esconder su sensibilidad, su aparente fragilidad. Radica en asumirla y transformarla en un arma.
Florencia Salas
Como dijo Salvador Dalí, "la fotografía es pura expresión del espíritu". Personas, naturaleza, arquitectura...temas recurrentes en mis series y ensayos fotográficos.
Este trabajo: Hijas de la Tierra, trata de reflejar la fortaleza en la debilidad de las mujeres que habitan el Valle Sagrado peruano. La fotografía no solo es para mí un hobby, un placer, sino también un aprendizaje de vida.
Nacido en Madrid, residente en Buenos Aires desde 1998.
Mis comienzos en el origami se remontan a 2010 (como pasatiempo, plegando obras de otros artistas y aprendiendo por mi cuenta las diferentes técnicas mediante libros e internet).
Los últimos dos años y sobre todo este último han significado el paso a la creación de modelos propios, con diversos tipos de papel y especialmente mediante tres técnicas concretas que me permiten plasmar en papel mi formación como ingeniero (origami modular, teselados y snapology).
Las formas geométricas que aparecen en todas mis obras, tanto en los teselados como en el origami modular, reflejan mi pasión por la simetría, buscando además en el caso de los teselados los juegos de luces y sombras que resaltan los pliegues del papel...
Desde hace dos años participo con algunas de mis obras en la exposición permanente de Arte y Cultura en el Jardín Japonés de Buenos Aires.
He participado también en exposiciones e impartido talleres en diversas convenciones de origami.
-Convención Origami Argentina Buenos Aires 2012
- Convención Origami Argentina Santa Fe 2014
- Convención Origami Argentina Córdoba 2016
- Japón en Mendoza 2014
- Japón en Puerto Madryn 2015
- Japón en Formosa 2016
- Japón en Bahía Blanca 2017
- Japón en Catamarca 2018
- Expoartistas 2017
- Museo del Origami en Colonia (Uruguay) - inauguracion diciembre 2018
Mis plegados pueden verse en la plataforma FLICKR: FLICKR MGANANS.
Ruth Patricia García domina una remarcable figuración puesta al servicio de intensos universos subjetivos. La paleta en colores pasteles refleja sugestiones poéticas perdidas en el diáfano y romántico gesto. Una tenue e intermitente difumación juega con las sombras a indeterminar la nitidez de toda materia; presencia devenida ausencia y luego ensoñación.
En este espacio resplandeciente su aura sugiere una energía lánguida que suaviza y distiende el poder superlativo de la emotividad, una hipérbole de significaciones ocultas manifestándose al unísono como una revelación preciosa.
Ana Piasek
Artista digital austroargentino nacido en 1982.
Entre sus principales exposiciones y escritos en diferentes medios y espacios se destacan:
Presentación de Video-Obra Perverso & Hagopian - “Excursiones – Libro I”. Espacio Oveja Blanca.
Presentación de Video-Obra Perverso & Hagopian - “Oxímides”. Alianza Francesa.
Presentación de Video-Obra Perverso & Hagopian - “La Era Píxel”. Multiespacio Korova – Galería de Arte.
Performance pintura en vivo en “Arte Espacio”. Festival Contemporáneo de Arte. Buenos Aires, Argentina.
"El Develamiento de los Dioses. Lo mínimo como esencial y simbólico en el Expresionismo Alemán”. Revista Periplo. Salamanca, España.
“La Antena del Vacío”. Revista Periplo. Salamanca, España
Proyección Video – Arte. “El Tesoro que esconde Ícaro”. Universidad del Salvador.
Presentación Instantánea de Revista Periplo en Buenos Aires, México D.F. y Salamanca.
El gusto por el arte siempre estuvo en mí, y desde el año 2011 pude comenzar a pintar. Tomé clases con José Luis Imán y con Juan Marqués.
Algunas de mis obras han sido expuestas en diferentes muestras en Córdoba y su interior, obras inspiradas en su mayoría en la naturaleza.
Breves flashes de la vida cotidiana de Buenos Aires. Donde su gente vive, sobrevive y se esfuerza en adaptarse a un medio de diversidad.
La artista plástica Isabel Isla Blum nació en San Nicolás, provincia de Buenos Aires. Durante su adolescencia descubrió su pasión por la pintura, en su ciudad estudió en la Escuela de Bella Artes “Rumbo” que le otorgó el título de Maestra Nacional de Dibujo. Esta pasión por el arte la llevó a tomar la decisión de trasladarse a la Ciudad de Buenos Aires y seguir sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” donde obtuvo el título de Profesora Nacional de Pintura.
En su recorrido artístico ha recibido distintos reconocimientos por su obra; en el ámbito internacional obtuvo el cuarto lugar del Premio Mintur otorgado por el Ministerio de Turismo y Deporte de Uruguay. En la Argentina, recibió una Mención en el 77º Salón de Otoño 2012, el Premio Único de Técnica Mixta en el Salón Pequeño Formato 2012 y una Mención en el II Salón de la Mujer 2011, Premio Raquel Forner, otorgado por la S.A.A.P (Sociedad Argentina de Artistas Plásticos) entre otras distinciones.
La carrera de Isabel Isla Blum alcanzó una proyección internacional por su participación en la “Affordable Art Fair City México, octubre 2013. Además en la Expo Punta Arte Internacional 2012, Punta del Este- Uruguay. En septiembre 2011, expuso en “Affordable Art Fair”New York City, E.E.U.U y en marzo de 2010 presentó algunas de sus pinturas en la exposición “Grand Salón d’Art Abordable”, à la Bellevilloise, Paris, Francia.
Mi proyecto de trabajo comprende obras de diferentes tamaños pero de una unión visual inmersa en el expresionismo abstracto. Prefiero trabajar en gran formato porque considero que una obra no está totalmente finalizada, ella continúa en el espacio comprendido entre el borde de la obra y la pared.
Pinto solo una porción de todo el espacio que me rodea, los grandes formatos son los que me permiten moverme con facilidad utilizando diferentes tamaños de pinceles, de objetos que encuentro y que me interesan para raspar la pintura o para hacer líneas.
El material que utilizo es el acrílico que preparo con pigmentos, látex acrílicos, carbonillas y lápices de colores. Si quiero destacar parte de la obra, lo hago con óleos. Cuando quiero producir un gran contraste, lo que me interesa es el empleo de tintas de grabado.
La preparación de la obra es importantísima, armo los bastidores según las medidas que deseo, tenso la tela y la preparo como si fuera una obra más. Coloco la tela armada en el piso y deslizo colores que luego me encaminarán hacia donde la obra me sugiera.
Me considero parte de la obra, un instrumento de la misma, yo la interpreto.
Nació en Morón, Provincia de Buenos Aires en el año 1971. Completó sus estudios Primarios y Secundarios en el Instituto Medalla Milagrosa de Ramos Mejía. Técnica en Cerámica Artística, Escuela Nacional de Cerámica Nº 1. CABA. Año 1997. Profesora Nacional de Cerámica. Escuela Nacional de Cerámica Nº 1. CABA. Año 2004.
Participó como expositora en diferentes salones obteniendo premio en el XV Salón Estímulo para Alumnos de Cerámica, en 1996 (Instituto Municipal de Cerámica de Avellaneda) y, en el año 2005, recibe el 4to Premio en el XXII Salón de Otoño, para Artistas Noveles (Centro Argentino de Arte Cerámico).
Desde entonces hasta la actualidad participó en diferentes Seminarios, Talleres, Encuentros de Ceramistas, Salones y Exposiciones.
Actualmente además de realizar obra y producción en su taller, se desempeña como Profesora de Arte de la Escuela Especial del Colegio Ward.
Lo bello es siempre extravagante. Baudelaire
El dibujo es el eje de mis trabajos, cuerpos que no obedecen al canon de la perfección, rostros expresivos que dejan translucir conflictos de su pasado, manos que se crispan, pies desnudos, escorzos exagerados, seres mitológicos, mágicos y contradictorios, luces y sombras, y algún texto que hilvana el retrato con la literatura.
En cuanto a los materiales, carbonilla y tiza pastel sobre papel misionero son mis preferidos porque siento que confieren el dramatismo y el color que me interesa darle a la obra.
No obstante esto, busco ampliar posibilidades incursionando en distintas técnicas aplicadas como el jacarelado, pouring, sublimación, découpage, pintura sobre porcelana…
Desde hace algún tiempo incorporé la belleza del arte textil y las tinturas vegetales, bordados y aplicaciones con telas de tapicería y papel de revestimiento, en cuadros de gran tamaño.
Mi trabajo incluye también pequeñas esculturas, coloridas, graciosas, a veces irónicas, que realizo con material reciclado, utilizando técnica de cartapesta y pintadas con esmaltes, acrílicos y barnices brillantes.
Cuando se hace del arte una forma de vida, el mundo de las posibilidades es infinito.
Liliana Lisone
Artista plástica argentina nacida Buenos Aires en el año 1930.
Estudios
Profesora Nacional de Dibujo, especialidad Decoración, Escuelas de Bellas Artes Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón.
Profesora Superior Nacional de Pintura, taller del Maestro Adolfo De Ferrari, Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova.
Profesora Superior de idioma francés, (Alianza Francesa)
Cursos realizados:
Curso de Pedagogía Comparada en el Centro Internacional de Estudios
Comparados (Servicio Cultural de la Embajada de Francia).
Curso de Comunicación por la Imagen, con el Maestro Héctor Cartier, en el
Centro de Arte Audiovisual de Buenos Aires. 1978 al 82.
Cursos en el Centro Americano de Egiptología, Buenos Aires.
Diversos cursos de Capacitación docente a nivel primario, secundario y especializado.
En 1999 fue distinguida con la mención "Mujeres Destacadas en el Ámbito Nacional" por la Honorable Cámara de Diputados de la Nación.
Desde 1986 realiza varias muestras de arte, individuales y colectivas.
Catálogo de Promociones Culturales, 2005 y 2006
Ediciones Institucionales, 2003 y 2004
"Arte Argentino De Colección". Edición especial de la Revista "Hoy Arte Hoy”, 2001 y 2004
Revista "Hoy Arte Hoy". Presentada En Arte BA, 2001
Argentina En El Arte, 2002
El Arte Argentino Actual, 2001
Arte Argentino del Siglo XXI, 2000
"Arte". Valores y Tendencias, 1999
Arte Trascendental Argentino, 1999
Artistas Plásticos Contemporáneos de Argentina, 1998
Diccionario de Artistas Plásticos Argentinos, 1988.
Arte al Día, 1986.
Anuario Latinoamericano de las Artes Plásticas, 1984, 1985 y 1986.
Pintor y escultor nacido en Córdoba, de trascendencia internacional. Expuso en diversas galerias y museos de Argentina y del extranjero.
Aquí una breve síntesis, de su extensa trayectoria:
*Casa de Córdoba Delegación oficial del Gobierno de la Provincia de Córdoba, año 1987.
*Salón provincial de pintura de Córdoba,1990, fecha en la que decide investigar la flora y fauna local, abocándose a la tarea de reflejar en sus telas toda la vida que late en las entrañas de la naturaleza. Habiendo sido expuesta en el Congreso del Hombre Argentino y su cultura rumbo al tercer milenio - Cosquín 1994.
*Día mundial de la Tierra. Salón de las Naciones Unidas, invitación de la Embajada de los Estados Unidos - Abril 1995.
*Miembro Honorario y asesor de arte de la Asociación Amigos de los Parques Nacionales, miembro de la U.I.C.N.
*Salón Quinta Presidencial de Olivos - Septiembre 1997 - Enero 1998. Oleo (Hornero en su nido), realizado para el entonces Presidente de la Nación Dr. Carlos Saúl Menem.
*Oleo realizado para el entonces Presidente de los Estados Unidos Bill Clinton "The Bald Eagle”, expuesto en la Casa Blanca - Washington D.C.
*Exposición en el Museum & Centre for living culture “African Window” en Pretoria-Sud África, patrocinada por la Presidencia de la Nación y Embajada Argentina en Sud África - Abril 1998.
*Oleo realizado para el entonces Presidente de Sud África Nelson Mandela "Blue Crane"- Agosto 1998.
*Salón O.E.A, Organización de los Estados Americanos - Diciembre 1999.
*Presentación Mundial en el Museo Guggenheim (España) del libro "20 Artistas Contemporáneos Internacionales", editado y distribuido por los Museos y Galerías del Mundo por la biblioteca de las comunidades europeas - Marzo del 2000.
*Invitación Gobierno de la Provincia de La Rioja. Salón Cultural (Muestra individual) - Diciembre 2002.
*Exposición Museo Banco de la Provincia de Córdoba - Febrero - Marzo 2004.
*Galería Loft Espacio Alfa 2007.
*Carrousel du Louvre, Paris 2015 "The South in The South".
"Sobre el desprecio", una serie de 12 fotografías de 30 X 30 cm. color y blanco y negro, tomadas con cámara digital y los fondos con cámaras analógicas, inspirada en el film de J.L. Godard, 'El desprecio' de 1963.
Utilicé esta técnica para vincular lo clásico con lo moderno y fusionar ambas con un registro de fotografías en estudio con los personajes y las analógicas en su mayoría estenopéicas (camera obscura, no posee lente, el soporte es negativo 35 mm. y 120 mm. otros son diapositivas vencidas reveladas en proceso cruzado) solo de paisajes realizadas para tal fin
Mis obras transmiten el mensaje de las tres “R”: Reduce Recicla y Reutiliza.
Todos los trabajos son realizados con materiales antiguos, piezas únicas, piezas en desuso, las cuales quedan intervenidas con técnicas variadas; considero que todo puede transformarse y perdurar en el tiempo.
Busco poner activo aquello que puede ser visto como desecho y rescatar su esencia, incorporándolas nuevamente en nuestra vida diaria transformadas en obras de arte.
Martino, Cristina
Buenos Aires, Argentina
"Dice Bachelard, en su reflexión sobre el instante poético: “La poesía es una metafísica instantánea. En un breve poema debe dar una visión del universo y el secreto de un alma, un ser y unos objetos, todo al mismo tiempo. Si sigue simplemente el tiempo de la vida, es menos que la vida; sólo puede ser más que la vida inmovilizando la vida...”
Mi búsqueda a través de esta serie denominada “Diálogos silenciosos” va en ese sentido.
Intento alejar al espectador de la vorágine cotidiana, en la cual estamos inmersos, constantemente invadidos y aturdidos por estímulos audiovisuales y llevarlo a un momento de quietud; un instante de reflexión, en el cual lo invito a interpelar la realidad y a interpelarse a si mismo.
Un lugar despojado, un tiempo de meditación, donde el vacío y la sencillez son protagonistas.
Un instante poético, en el cual el silencio no sea sólo tiempo sino también espacio."
Como puede definirse uno como artista? Para mí....???? GRAN pregunta.....
Diría yo....ser artista es SENTIR....para poder EXPRESAR....
Soy entrerriana de nacimiento,vivo en Gualeguaychu, "coloreo" desde niña,dibujando y jugando con los colores y formas.
Amo lo que hago, soy autodidacta, más luego estudiando en particular con distintos maestros....para encontrar mi camino, sigo en la búsqueda y espero no encontrarlo nunca...eso me ayuda a estar DESPIERTA para seguir creciendo. Mi gran pasión es el COSMOS...quienes somos y que hacemos aquí...cuál es nuestra MISIÓN !!??
Alguna vez leí este fragmento de la Carta a los Artistas de Juan Pablo II :"...todos los artistas tienen en común la experiencia insondable que existe entre la obra de sus manos, por lograda que sea y la perfección fulgurante de la belleza percibida en el fervor del momento creativo "...
CRECER.,SENTIR ...CREAR.....para sentir que estamos vivos...."
Artista plástica de nacionalidad argentina, autodidacta. Su estilo figurativo fue cambiando de los paisajes del sur fueguino de nuestra Patagonia a los de las bellas sierras cordobesas. Actualmente concurre en la Ciudad de Tanti, provincia de Córdoba al taller Municipal con el artista plástico Juan Márquez.
Verónica Neker
Macro Fotografía
Verónica es una artista emergente con gran creatividad y con su forma particular de visualizar esa imagen, esa toma que para otros pasa desapercibida, ella plasma a través de su objetivo eso diminuto, pequeño, que forma parte de un todo y nos lo presenta de tal forma que deslumbra nuestros ojos.
La artista nos traslada a un mundo de imágenes que en la mayoría de los casos no podemos saber con exactitud de que se trata o que porción y de que elemento es la imagen que estamos observando, lo cual hacer que nuestra mente comience a adivinar o tratar de reconocer ese fragmento, y casi cuando estamos seguros, volvemos a dudar. En algunos casos su macro fotografía es una toma más obvia, para que el espectador pueda asociar fácilmente a que se refiere, provocándole así una satisfacción de saber de qué se trata, pero aumentando su ansiedad por intentar descifrar las incógnitas aún no resueltas.
Rompiendo con el formato rectangular tradicional de la fotografía, Verónica se impone un formato cuadrado de gran tamaño en todas sus obras, partiendo de 60x60 cm; siendo uno de los identificativo inequívoco de su labor fotográfica, como así también el hecho de trabajar con técnicas experimentales sin utilizar objetivos macro, logrando con sus imágenes un concepto diferente en obras fotografías.
Participó en la muestra "Emergentes en el Borges", febrero 2017, Expo-artistas 2016 y 2017, Centro Cultural Borges; en las cuales su obra tuvo gran aceptación por el público allí presente.
S.A.M
Orsoletti, Liliana
Buenos Aires, Argentina
Modelado cerámico,con incrustaciones de vidrio fundido, montado sobre base de tronco natural.
El modelado expresa la dualidad, entendida como sentimientos contradictorios, momentos en los cuales el ser se ve afectado por situaciones que lo superan emocionalmente; y que generan rupturas.
"El Señor Dos Caras" como lo expresa su título tiene dos expresiones diferentes en cada uno de sus perfiles, expresando así su profunda contradicción existencial.
De repente La fotografía puede conmovernos abruptamente como un rayo, o suavemente como el vuelo de una gaviota. La fotografía nos revela las verdades cotidianas con la mirada de asombro.
Trabajo en la expresión de la figura humana en estados de tensión y distensión, representando instantes emocionales llevados a las posibilidades del cuerpo y su consistencia.
Nací en Buenos Aires en 1985. Entre otras cosas, soy Artista Plástica y Profesora en Artes Visuales, egresada del Profesorado del Consudec.
Mi obra nace de las pequeñas o grandes situaciones cotidianas que muchas veces son simples detalles que se le escapan a la mirada. Lo efímero e instantáneo, así como lo interno e inexplicable se manifiestan a través de formas y colores.
Actualmente me encuentro trabajando en la serie ""Sueños de Colores"", que surgió a partir de un sueño azul. La utilización de la técnica del automatismo psíquico se convierte en vehículo donde los sueños se expresan a través de los diferentes e infinitos estados del color y sus combinaciones.
Angelo Quallito
Diseñador de luminarias y artista plastico
Conjugando el arte, el diseño y la luz
POP LIGHT
El pop light es un estilo que fusiona el arte con el diseño industrial, mas especificamente, el diseño de lumnarias. Juega con técnicas clásicas de las artes plásticas: Dibujo, pintura, escultura y utiliza la luz a través de nuevas tecnologías de led a fin de lograr los efectos deseados.
El objetivo es transmitir desde el propio ser todo el abanico de sensaciones, pero siempre inmerso en una fiesta de luz y color. Tal cual sucede en la vida donde se entremezclan los sucesos de todo tipo.
El Pop Light, trabaja sobre temáticas populares, y muchas veces realiza una crítica sutil a los que cree, son los responsables de muchas de esas problemáticas. Tomando como popular, aquello que atañe a una parte de la población.
El Pop Light desdramatiza los acontecimientos de la vida; sociales, políticos, religiosos, filosóficos al mostrarlos en ese marco de luces y colores.
El arte es mi vida. Pinto desde pequeña. Lo hago desde lo más profundo de mi ser. En estos momentos mi temática es la mujer, su esencia, su fortaleza, su espíritu. Siempre estoy buscando en mi interior, tratando de crecer, de volar, de soltar.
Nació en Buenos Aires el 8 de mayo de 1981. Es egresado del Profesorado del Consudec como profesor de Bellas Artes con especialidad en Dibujo y Escultura.
El proceso por el cual están hechas la mayoría de sus esculturas es el vaciado en diferentes materiales (yeso, cemento, bronce, epoxy, entre otros), trabajando también la talla en piedra y madera.
Realizó diversas muestras entre las que se destacan:
Salón Nacional de artes visuales (seleccionado escultura 2017)
Salón Nacional de artes visuales (seleccionado dibujo 2014),
Salón Manuel Belgrano (seleccionado escultura 2015 y 2009),
Salón Municipal de Cerámica de Avellaneda, seleccionado (2013),
Salón anual internacional de cerámica del CAAC Invitado en el Museo de la Fund. Rómulo Raggio (2013),
Expotrastiendas con el grupo PlantaCarne, (2008 y 2009)
Arteclasica, Galería Mitra (2008 y 2009)
Salón Bienal de Boedo, premio Academia porteña de lunfardo (2005),
Concurso ADUBA- Para la realización de un monumento en memoria de los docentes de la UBA detenidos-desaparecidos. Mención de honor por el proyecto “Biblioteca perdida” (2010),
Proyecto Delivery Fondo Nacional de las Artes (2010),
Percepciones móviles junto a Eva Hernandez. Instalaciónes en Espacio Dawa (2012)
La membrana transgénica del perro ovalado con ""PlantaCarne"" (2009)
Varias de sus obras integran colecciones privadas de Argentina y el exterior.
En la actualidad vive y trabaja en Buenos Aires.
Es profesor de la Cátedra de escultura (I y II) en el profesorado del Consudec. También ejerce la docencia en diferentes instituciones y realiza trabajos de restauración.
Nació en Capital Federal, se crió en Florida, Vicente López.
Desde chica siempre dibujó y amó el arte, pasó por varias etapas en las cuales conoció variedad de técnicas. Lo que más le gusto y hoy en día trabaja es el acrílico con la temática puertas, partes de puertas, llaves, candados, cerrojos, siendo una temática original, logra que los que la observen sientan diferentes sensaciones.
Trabaja con 5 colores con los cuales consigue diferentes tonalidades. Pone amor y pasión en cada obra.
Donde es el fin de las palabras?
Una reunión de huellas en un mundo imprevisible y más rico que cualquier expresión en cualquier idioma, asomándose desde un lenguaje que nos relega la vida actual, estalla la extraña trama de los símbolos en su primitiva y viviente individualidad.
En ese espacio en donde cada movimiento de la mancha habita una reacción irreversible, está impresa la maraña de lo real.
Juan Riggio
Arquitecta. Egresada de la Universidad Nacional de La Plata(UNLP).
Docente de plástica, egresada del Bachillerato de Bellas Artes, La Plata.
Como artista plástica he participado en importantes ferias nacionales e internacionales, entre las que se destacan BADA (2015- 2017), ARTE LA PLATA(2015-2016), AFFORDABLE ART FAIR( Mexico. DF 2015), CENTRO CULTURAL DE MEXICO CONTEMPORANEO( Mexico DF 2016), ART ON PAPER( Nueva York. 2017-2018) y SCOPE ART FAIR ( MIAMI.2017). Premios y menciones:
2016 - Mención del Jurado."Salon de mayo". de la Asociacion de artistas plásticos de la Prov. Bs As.
2015 - Premio de una exposición virtual en el concurso XXXIII Premio Firenze(Italia)
2013 - Mención especial del jurado. Concurso de pintura Fausto Bragagana. Sociedad Italiana de Ensenada.
Autodidacta, se capacitó en talleres libres con reconocidos profesores como Griselda Ferreyra, Zulema Petruchasky, y otros e hizo tres clínicas, dos con Jorge González Perrín y una con Nicolás Menza.
En sus 31 años de carrera ha obtenido importantes premios, algunos de ellos adquisición, en la pintura y en el grabado. En el 2016 se hizo acreedora al PREMIO TESTIMONIO EN PINTURA que le otorgó el Gobierno de La Pampa por su trayectoria. Años antes, con su óleo "Rituales", se adjudicó el GRAN PREMIO DE HONOR en el Salón de AV de Trelew.
Participó en más de cien salones de AV nacionales y provinciales y muestras colectivas.
Concretó alrededor de 27 exposiciones individuales.
Sus obras fueron vistas en muchas ciudades del país: Pto.Madryn, Bahía Blanca, Luján, Paraná, Neuquén, Comodoro Rivadavia, San Martín de los Andes, Bariloche, Río Gallegos, Venado Tuerto, Córdoba, La Plata, Ceres (Sta.Fe), Mendoza, Tucumán, Mar del Plata y otras.
Expuso en Cuba, Uruguay, Perú, Escocia y Austria. Visitó en 1994 la Bienal de San Pablo y en el 2000 la de La Habana, donde también asistió a una capacitación en la gráfica. Culminó su carrera docente como directora creando una Galería de Arte. Desde entonces, su accionar artístico no ha tenido interrupciones,abarcando además la gestión de Proyectos Culturales preferentemente en Escuelas de su provincia e integrando las artes plásticas con otras disciplinas.
Fue jurado en cuatro Salones. Ha donado alrededor de sesenta obras a instituciones. El año pasado con motivo de cumplir tres décadas de trabajo expuso su primera retrospectiva en MEDASUR, Sta.Rosa, con más de cien trabajos entre óleos, acrílicos, acuarelas, barcos plegados e intervenidos, técnicas mixtas y grabados, incluyendo miniprints. En los dos últimos años viene trabajando con otras colegas en la restauración de murales e intervención de nuevos espacios.
"En el camino de la vida, las imágenes me eligen para ser representadas a través de mi mirada y sentimientos, mediante una mano que a veces se torna autónoma, junto a lápices y pinceles que se confabulan.
La búsqueda de la belleza es una constante en mi obra, intentando a la vez transmitir paz y esperanza a quienes deseen mirar más allá de lo visible..."
Desde niña he sentido la necesidad de pintar, incursionando en la pintura y el dibujo como autodidacta. Ya adulta, participé en diferentes cursos, el taller de dibujo del profesor Juan Manuel Magariños entre otros.
Desde el año 2010 soy parte del taller de arte y galería “CARMIN” de Tanti, a cargo del maestro pintor, profesor Juan Enrique Márquez.
He participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales desde el año 2000, entre ellas de la exposición del salón Breckenridge Fine Arts Center, de EE.UU, en el año 2014.
Mi interioridad me impulsa a plasmar en formas y colores mis vivencias en este hermoso entorno en el que vivo. Amo los colores de la naturaleza. El arte se siente y mis obras nacen del sentimiento y la emoción que me produce contemplar los paisajes que me rodean. Estoy enamorada de la naturaleza, de sus luces y sombras, de sus colores… Todas mis obras son parte de mí.
Los cuadros son el reflejo de lo que siente mi alma. Me encanta transmitir a través del color los diferentes estados de ánimo.
Los pinceles me otorgan la magia de la creatividad porque a través de ellos transformo mis sueños.
Reconstruir y resignificar son la esencia de mis obras A través de un proceso en el que involucro la pintura y la destrucción de la misma, nacen unas series de collages, creados desde un ritual, en el que pintar, romper, rasgar para luego ensamblar se convierte en una forma de reciclarme como artista. Los Primeros fragmentos unidos fueron en «Pays'art», una residencia de arte en Marnay -sur-Seine, Francia. Por una serie de inconvenientes y la dificultad de sacar la obra del país, decidí destruirla y llevar los retazos en una valija. A partir de ese diálogo compensatorio e irónico con el material, cobraron vida todos mis personajes.
Trayectoria
Graciela Siles, nacida en Córdoba en Noviembre de 1962. Licenciada en pintura egresada de la Universidad Nacional de Córdoba, actualmente cursa la Maestría en Antropología en la Facultad de Filosofía de la UNC. Fue docente en la cátedra de Morfología de la Facultad de arte de Córdoba.
Formó parte del primer equipo del “Núcleo Cultural, espacio multidisciplinar” dependiente de la Secretaría de Extensión Universitaria de la Universidad Nacional de Córdoba. Co-creadora de ¨La Finita¨ espacio independiente para producción y promoción de eventos culturales.
Sus producciones visuales son eclécticas, trabaja con diversos materiales y en diferentes disciplinas. En su trayectoria artística, iniciada en el año 2002, participó en numerosas muestras individuales, grupales y colectivas. Entre las cuales se encuentran:
2018 “LOS OTROS “- en el marco de la declaración de interés provincial al día mundial del refugiado- organizado por la Dirección Nacional de Migraciones Delegación Córdoba en colaboración con ACNUR (la agencia de la ONU para los refugiados) y OIM organización internacional para las migraciones (el organismo de las naciones unidas para la migración) Legislatura de la provincia de Córdoba.
2018 “Cada cual…” Con motivos de la visita del embajador de Francia en Argentina, M.Pierre Henri Guignard en la Alianza Francesa Córdoba
2017 "Círculo rojo" Instalaciones pinturas y objetos-agosto 2017 / Alianza Francesa Córdoba- en marco de diálogos globales de las escuelas de lenguas europeas.
2017 Vecinos imaginarios Septiembre, exposición en el jardín botanique organizado por «Pays'art» residencia de arte de Marnay -sur-Seine, Francia
“Salvavidas” / Video Instalación /. Entrepiso Galería Entrepiso de la galería de arte del Buen Pastor, Irigoyen y San Lorenzo.
“AMA-DA”/instalaciones/ Galería de Arte Josefina Cangeano Consejo Provincial de la Mujer Av., Colón 297, Córdoba- Argentina
“AMA”/Instalación e intervención urbana/ muestra inaugural del centro cultural LA FINITA, Vélez Sarsfield 480, Córdoba- Argentina.
Poseen obras suyas organismos internacionales como la Dirección Nacional de Migraciones Delegación Córdoba, ACNUR (la agencia de la ONU para los refugiados) y OIM organización internacional para las migraciones (el organismo de las naciones unidas para la migración) y colecciones privadas del embajador de Francia en Argentina, M.Pierre Henri Guignard director del jardín botanique Didier Rousseau Navarre y en colecciones particulares de España, Francia, Italia, Estados Unidos y Argentina.
La artista se refiere al arte como un medio para abrir las puertas de la percepción. Es una forma de comunicarse con las distintas concepciones del mundo.
Toma la esencia de los colores como vibraciones para materializar sensaciones sobre los estados físicos y psíquicos más profundos.
Es para ella una forma sublime de comunicación en la cuál utiliza códigos personales para llegar al receptor.
El objetivo de su obra es permitir al espectador alcanzar una dimensión diferente a través de las sensaciones espirituales del color.
María Susana Uzal es argentina y nació en Capital Federal en el año 1951.
Se graduó de Licenciada en Publicidad en 1972 y desde entonces se ha dedicado al Marketing y Comunicación, trabajando y asesorando a importantes empresas nacionales e internacionales, residiendo por largas temporadas fuera del país. Ha lanzado al mercado más de 80 productos nuevos, líderes masivos, aquí y en el extranjero.
Estudió Arte, Pintura, Fotografía y Cine en Argentina (Universidad del Salvador, entre otras) y España (Universidad de Salamanca), realizando múltiples cursos, talleres y seminarios de especialización con diferentes maestros, aunque es básicamente su tenacidad autodidacta lo que la llevó a su actual performance.
Ha viajado por el mundo incansablemente, con una marcada vocación por acercarse y descubrir a la gente en cada lugar donde ha estado, especialmente en Oriente donde ha permanecido en repetidas oportunidades. Ama la náutica, es Piloto de Altura de Navegación Oceánica, ha cruzado el océano, corrido regatas y navega en solitario con su velero “Mabruk”.
María Susana Uzal está convencida que el hombre es el rastro del Dios Vivo, redescubriendo en nosotros y en los demás "sus huellas", podremos acercarnos a Él, Centro Bueno y Eterno de Inmarcesible Amor.
Extracto de nota Diario “El Día”, Chile
Pintor realista- impresionista especializado en retrato, figura humana y paisaje. Ha participado en numerosas muestras, individuales y colectivas en nuestro país, México, Japón, España y Estados Unidos. Su obra se encuentra representada en colecciones oficiales y particulares argentinas y del extranjero.
"Su obra paisajística, resuelta con engañosa facilidad, muestra una sinfonía de valores y tonos sabiamente modulados que recorres todas las variaciones del verde, lo que testimonia la indudable maestría de Atilio Vazquez Cuestas, que solo se consigue al cabo de una larga experiencia en el oficio. En el curso de ese arduo transitar, la mirada del pintor pierde gradualmente su ingenuidad y tiende a convertirse en una lúcida herramienta de precisión, calibrada con suma rigurosidad para captar el espíritu de las formas y las sutiles gradaciones de la luz y el color, que al conjugarse en la retina de Vazquez Cuestas traducen a un lenguaje inteligible la resplandeciente trama de apariencias que llamamos realidad"
Daniel Perez
"Los temas entorno al caballo han sido utilizados en las Artes Plásticas, en la Literatura y también en la Historia, tanto desde la antigüedad clásica como en la actualidad. En la obra de Vazquez Cuestas nos encontramos frente a una caballada, disparando aterrorizada en una iluminación crepuscular, que solo deja ver detalles en el primer plano de la obra: cinco equinos, con un Bayo, que resplandece por su blancura al recibir el punto máximo de luz. También lo destaca, como en Pegaso, el mitológico ejemplar alado, la posición de las patas delanteras, como si continuara la carrera en el aire. En estampida el artista le propone al observador transitar con la mirada por todo el ancho de la tela, de soberbia composición"
Julio Sapollnik
Egresó de las Escuelas Nacionales Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. Continua en talleres de maestros como Mane Bernardo, Antonio Pujía entre otros.
Expone obras en Brasil, Rio de Janeiro, Curityva, Uruguay y Ecuador. En Argentina en CABA, Rosario, Entre Ríos, Zapala, Tucumán y en Zona Norte...San Isidro, Vicente López, San Fernando, Tigre etc. Algunas de sus obras se encuentran en Quito y Miami.
Creó en el municipio de San Isidro El Espacio Permanente de Arte que lleva diez años de vigencia en el Consejo Escolar. Desde allí propone y realiza la difusión de las Artes Visuales y los Artistas de la Zona Norte.
Organizó a pedido de la Mutual de Gendarmería Nacional un Concurso de Pintura para los hijos del personal de Gendarmería a nivel nacional.
En las Artes Visuales continúa realizando emprendimientos a favor de reconocer y valorar la expresión artística como agente y lenguaje universal del ser humano.
Artista plástico uruguayo que ha recorrido diferentes disciplinas, técnicas y formas del lenguaje plástico visual.
Se forma en la Escuela de Artes Visuales ""Cristóbal Rojas"" de Venezuela, en el Círculo de Bellas Artes con Jorge Damiani y en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Uruguay.
Trabajó en el Taller “Visual-art” del artista venezolano cinético Carlos Cruz Diez, para la muestra en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
Su trabajo recorre diferentes y variadas expresiones, investigando en la escultura en madera, la instalación, el papel reciclado, la escenografía, el carnaval, teatro, la dirección de arte, la docencia y un amplo recorrido en la pintura corporal con su propuesta CAMBIALAKARA entre otras tantas actividades.
Ha participado de diferentes Salones, encuentros y bienales a nivel nacional e internacional, tales como el Salón Nacional de Artes Visuales, de Montevideo.
La Noches de los Museos de Buenos Aires, en el Museo de Esculturas Luis Perlotti.
El XVII Salón Nacional de Pintura Armando Reverón Caracas.
Aluarte 91 obteniendo Mención Especial del Jurado.
El 1° Festival de Arte y Cultura Afroamericana, Montevideo.
La VII edición de la bienal de Salto, el Salón Municipal de Montevideo, la X muestra de Arte Cristiano,Galería Latina, Montevideo.
La Semana del arte y el Gallery Nigths en Puerto Madero.
Reinaugura la Sala Armando Reverón en el Centro Cultural Simón Bolívar, con la muestra “Barcos y Peces”. Montevideo.
Ha participado en varias muestras colectivas e individuales en diferentes galerías de Montevideo, Buenos Aires y Caracas.
Actualmente expone en la Galería Sofía Balut Páez en La Barra de Punta del Este, en muestra colectiva conjuntamente con obras de Páez Vilaró, Yaqui Melhem, Sofìa Balut y otros.
Trabajó como director de arte en diferentes cortos de Uruguay, Argentina y Venezuela
Piezas suyas se encuentran en colecciones privadas de Montevideo, Brasil, Suecia, Argentina, Canadá, España, Venezuela, Alemania, Israel y México.