A veces la vida nos hace encontrar con recuerdos; y este rincón de Buenos Aires que es Villa Lugano me hizo viajar muchos años atrás, a mi pasado de estudiante, a esos barrios con encanto, perfume de flores y jardines cuidados con esmero.
Una bella casa y una artista como pocas -por su trabajo constante y valedero- que nos espera tras su puerta. Buenas obras y una conversación gratificante dejan al descubierto, en Marta Aguilera, a una destacada discípula de los grandes maestros argentinos, que concurrió a los talleres de Roux, Puente, Rey, Gorriarena, Noé o Ponciano Cárdenas. Alumna de escuelas que hicieron historia, como "La Pueyrredón o La Cárcova"; no asombra la calidad de sus imágenes, el paso académico destacó e hizo aflorar sus condiciones plásticas naturales.
Su obra está llena de dinámica visión, convergencia clara de los distintos estilos que fue recorriendo en su extensa trayectoria plástica y que ahora, en plena madurez intelectual, queda grabado como un estilo propio de clara identificación personal.
Las imágenes que hoy vemos tienen comunicación con la música y sus instrumentos que, vibrando en notas de color y misterio, hacen que viajemos a un mundo interno mágico, que aún se destaca en la delicada monocromía de algunas de sus obras. Nada es ajeno al talento de su pincel, tanto bodegones como paisajes, retratos o musicales abstracciones, que guardan un cuidadoso estilo adquirido con innegable oficio plástico. Pintura con válidos fundamentos y certezas en las palabras y los recuerdos, hacen que al vivirlos intensamente, se los pueda trasmitir a la tela.
Marta expone con frecuencia en Art Road, Clásica, o con sus destacados alumnos en Expo-artistas 2011. Durante la visita a su taller nos llena de satisfacción saber que su producción sigue brindando sorpresas de calidad y que es la de siempre: clara, sencilla y amena. Cordial con un café de por medio, con su perrita, con Agustina que nos atiende amable y gentil; porque lo cotidiano pertenece a los placeres de su casa, de su vida y de su obra.
Pronto la veremos en alguna muestra con su obra, idioma de expresión de encantador misterio, y para decirnos en qué nuevo camino transcurre su devenir, en el que mostrar es también decir al mundo la pertenencia de su estilo, el camino que recorre y el misterio que habita en su mundo plástico.
Mario Restaino
DANIEL AGUIRRE, ARTISTA INMIGRADO
Jorge Carrión
La Boca nació del mar: Aunque fuera erigida a orillas del Riachuelo, su esencia es marítima. De un mar inmigrado. Paseando por las calles de ese barrio se describen anclas varadas para siempre en el rincón de un garaje, tiendas que venden aún trajes impermeables para faenar en alta mar, casas donde el baúl del bisabuelo se ha convertido en una mesita, una soga olvidada o, sobre todo, rostros labrados con rasgos europeos. Barrio de alma ultramarina, en que chapa migró de los barcos a los conventillos para devenir urbanismo collage: viva obra de arte.
También Daniel Aguirre inmigró a La Boca, desde algún otro barrio porteño seguramente menos interesante. Lo hizo movido por una inquietud artística. Desde entonces el paisaje de Quinquela Martín y tantos otros pintores es también el suyo. En el centro de su interés: la figura del conventillo. Casa palimpsesto; habitáculo múltiple; estructura de materiales humildes que perduran como si fueran nobles, que se hicieron nobles, de hecho, a copia del sudor de quienes los habitaron y de años y de capas de pintura y de fotografías y de cuadros. Porque el arte ennoblece los espacios.
Durante los seis meses en que viví en La Boca, hablé sobre esos temas con Daniel en su mesa diaria del café Roma o a la entrada del locutorio de Juan Croce o en su taller cercano a Caminito. Poco a poco descubrí el método de trabajo que desemboca en sus cuadros mestizos. En ellos conviven la pintura, la fotografía, la fotocopia, el ensamblaje y cuanto experimento se le ocurra para retratar lugares urbanizados del barrio. Son la culminación de paseos con la cámara en ristre, a la caza de puentes, estaciones de tren o conventillos que aún no han sido registrados por su ojo avizor. Y de ensayos de combinaciones de materiales como la madera, la película fotográfica caducada o el cartón que imita texturas de la chapa. Tal vez porque es inmigrante secundario, tal vez porque no nació en La Boca, busca esa distancia entre sus composiciones y las composiciones reales, y en vez de trabajar directamente con la madera de los raíles, el metal de los puentes o la chapa de los conventillos, indaga en la mejor forma de re-producirlos, de re-presentarlos.
La figura humana está proscrita en la obra gráfica de Daniel Aguirre. Pero eso, lejos de deshumanizarla, le da una profundidad absolutamente humana. Porque en ese puente de Avellaneda reconstruido o en esos fragmentos de casas de inmigrantes con que acompaño estas palabras están las muescas del esfuerzo de los hombres que construyeron. Y detrás, una mirada. La de un artista inmigrado a La Boca para tratar ennoblecerla con su trabajo.
J.C. es escritor español, colabora habitualmente en diversos medios, como el diario Metro de Barcelona o El Cultural de Uruguay.
Estallidos, expresiones, sentimientos desde lo más hondo de sus entrañas . Ercilia ha realizado cientos de espectáculos y exposiciones en el país y el extranjero. Ha obteniendo 22 premios.
"Nacida en el ambiente artístico, autodidacta... Todo comenzó en mi niñez, era muy extrovertida (aun lo sigo siendo) e independiente, desde muy pequeña me aislaba y llevaba al papel todo aquello que me rodeaba, payasos, equilibristas, ciudades y costumbres distintas que plasmaban en dibujos con un toque personal.
Fue en mi adolescencia que tuve mi instinto de tomar en serio el arte, tenia tanto adentro que empezó a salir, mi musa gritaba queriendo explotar.
En mi adultez sigo haciéndole caso a mi yo interior, dibujo, pinto, creo nuevas obras de arte, me expreso sin límites y con pasión a través de la pintura porque amo lo que hago....
Mis obras, que puedo decir de mis obras?... Son un poco mitad yo, mitad sueños y fantasías que las transformo en obras sobre lienzos que muestran al mundo mis creaciones llenas de sensualidad, fantasías teatrales de noches y vino.
Las concubinas, son el lado oculto de mi ser, mitad yo y mitad musa, pude plasmarme y es mi creación mas personal.
Aquiles, mi héroe y ejemplo masculino que lideró batallas en nombre de nadie y que jamás se inclinó ante un rey, es uno de mis trabajos a conquistar.
Venecianos... Sensualidad y misterio son temas que me apasionan y siempre están en mis lienzos."
TEXTO
José Galván nace en la ciudad de Santiago del Estero en 1967. Llega a Buenos Aires en el año 1988 y comienza a transitar sus primeros pasos en las artes plásticas concurriendo a diversos talleres.
Al transcurrir el tiempo fue encontrando en la pintura su canal de expresión y se convierte en el artista que hoy nos maravilla con sus obras.
En su atelier de Olivos se dedica a transmitir su técnica y conocimientos, tratando de dejar a sus discípulos más que una enseñanza, un estilo de vida a través de la pintura.
La abstracción, la estructura compositiva y el colorido de su obra transmiten esa fuerza que el autor le ha impuesto, donde la diversidad de colores obliga a recorrerla en forma minuciosa e ir descubriendo pequeños fragmentos que se convierten en nuevas obras en la mente del observador.
"Ver con los ojos, mirar con el alma...
Misterioso milagro en las imágenes que en cada retina se reinventan."
Maria Agustina Bainotti es una artista poética, divertida y original. Oriunda de General Deheza (Córdoba) se mudó a la capital de la provincia, donde se afincó. El arte la atrajo desde su temprana juventud y tomó clases de pintura, dibujo y escultura con profesores renombrados.
Su producción es variada y oscila entre la fantasía del surrealismo a la realidad de la figuración, de la seriedad adusta al humor y la risa que alegra de sus personajes pintorescos, algunos como sacados de escenas de algún cuento infantil.
Pero no le falta realidad poética a sus escenas, ni tampoco un interés sincero por la ecología, reflejado por sus hermosas y traviesas mariposas multicolores que adornan sus bellas, escenas pobladas y salpicadas de flores silvestres, visitadas por alegres personajes, que parecen pertenecer a otro mundo, uno de lirismo y poesía al que no le falta un misterio digno de un carnaval veneciano.
Lo más singular de su actual producción reside en el material que emplea como soporte. no es ninguno de los conocidos por la mayoría de los demás artistas: no es tela, cartón, madera, metal, etc.
Antes había probado otros materiales como la seda cruda, pero en este momento ha regresado a la antigüedad, optando por usar tintas de color sobre el legendario papiro, con el que ha obtenido efectos singulares.
Alfredo Cernada
Nací en San Isidro en 1959. Concurrí a los talleres de Cefrino Rivero, Eulógio De Jesús, Juan Lopez Taetzel, Norberto De Vincenzo, Rosemarie Gardés.
Soy escultor, pintor, dibujante, grabador y escenógrafo. Desde hace 10 años concurro al Centro de Edición a realizar mi obra litográfica.
Participé en varias Ferias nacionales e internacionales, expuse en el país y en el extranjero.
Mi vida a girado siempre con relación al arte. La obra habla mejor que yo.
Mi obra tiene que ver con la expresión personal del alma, donde todo fluye con sentido y sin él, donde cada espacio de pintura tiene un porque y un como para poder resolver la obra, para poder resolver la vida en la que estamos inmersos todos aquellos que sentimos que nuestra obra es nuestra vida y el arte, nuestro mundo en el cual podemos sobrevivir a nuestra sensibilidad y del mundo que nos rodea.
Un tiempo, un espacio y la libertad de creer en lo que creas
Monica Belo...soy una artista que busca reflejar a través de la pintura la pureza del sentimiento.
Habiendo iniciado mis estudios el 1981, adquirí nociones de las principales escuelas, lo que me llevó a desarrollar un estilo único, en el que se fusionan el realismo y la fantasía, buscando llegar al punto donde la expresión y la persona, se hacen uno!!
"El objetivo de la obra es dejar un mensaje que ayude a transformar la realidad que nos afecta y entonces recrear un mundo mejor. Desde nuestro interior y nuestras raíces mirando al cielo y pensando en el futuro y en nuestra descendencia, para tener una vida feliz, como debe ser, para lo que fuimos creados."
Ana María Bianchet
La acuarela es fluir, lo inesperado, dejar que sean las cosas...
Mientras veo como se ensamble el agua con un color y va formando la imagen, mi cuerpo se tiñe y espera. Aparecen mis UNIVERSOS INTIMOS.
"La artista Sandra Bonetti es una promisoria artista de la provincia, que se enfocó desde sus comienzos en la resolución de obras en las que la figura humana de una forma u otra está siempre presente, camino para nada fácil y poco abordado en el arte actual de Misiones.
En su paleta se puede notar gran maestría en la utilización de colores cálidos y fríos en perfecto equilibrio.
En esta muestra vemos figuras con una particular factura y una sutil carga erótica en la mayoría de ellas.
Ernesto Engel, Artista Plástico
Realizó sus estudios en en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, participando de seminarios y cursos durante su carrera.
Luego estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” con el maestro Miguel Ángel Vidal, realizando seminarios y maestría; se recibe de Licenciada en Artes Visuales en el año 2008 (UNA).
Estudió el curso "Curaduría y montaje de exposiciones de arte” en el Espacio Dos Puntos, dictado por la licenciada María Lightowler. Realizó clínicas y estudios sobre el mercado del arte con Fortunato Roffe. Asistió a clínicas de arte con el pintor Jorge Abot. Participó del taller Intensivo-artistas curadores, artistas gestores, y cursó el taller “Del sueño al proyecto”, y el taller de Historia del arte contemporáneo con Kekena Corbalán en UCEMA. Realizó otras clínicas de obra con el pintor Eduardo Medici. Asistió al curso de desbloqueo creativo realizado en espacio dos puntos dirigido por la licenciada Virginia Harris.
Exposiciones nacionales:
Arte Clásica, Expotrastienda, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Manzana de las luces, Festival de arte Mira en el Centro Cultural Recoleta y en el Centro Cultural Borges así también como infinidad de exposiciones durante toda su trayectoria de más de 20 años.
Exposiciones internacionales:
Expo New York Pier 92, The Weet Fidehihay.
Recibió 2° premio en el Salón Imagen Circular otorgado por la SAAP en el 2018 y en el Salón Primavera gran premio de honor otorgado por los Vikings y Gustavo linares en setiembre de este año participando así del galery night de octubre además de otros premios y menciones.
Su obra fue publicada en diarios y revistas de CABA y Provincia de Buenos Aires.
Continúa su trabajo participando activamente de cursos, exposiciones y capacitándose en pos del crecimiento de la obra.
Para Salvador Costanzo la pintura no es un lugar para que se precipiten nuevas ideas, sino un espacio de desarrollo y permanencia de conceptos adquiridos. Sin embargo, la manera de perseverar sobre una personal ordenación plástica lo enaltece porque muestra, una y otra vez, aquello que es: un niño que juega al infinito con la permanente estructura de su ser.
Como un chico travieso que se hizo amigo de los magos, Costanzo alcanzó un orden mental sensible e indestructible, pero que ante la mirada del iniciado no permanece intacto.
Una vista rápida y superficial no reconocería vicisitudes o acontecimientos que están presentes en las imágenes. Pequeños planos de color, ubicados en un sector de la tela, por instantes desaparecen y reaparecen en una nueva sección. En otros momentos es la intensidad de la luz la que se disuelve, en su recorrido, como una lluvia de luminosidad; o por el contrario, concentra su energía con tal fuerza que borra los rastros de color a su paso. Estos cambios sutiles pueden no ser vistos y pasar inadvertidos del mismo modo que sucede con el acostumbramiento diario de quienes necesitan en las noticias oír tronar el escarmiento.
Pero Salvador Costanzo no se deja tentar por ello, en su cosmovisión del mundo queda retratada la más conmovedora de las confidencias: los accidentes del alma humana.
Julio Sapollnik
Artista plástico argentino. Es pintor Hiperrealista, ingeniero, obtuvo diversos premios al participar en exposiciones nacionales e internacionales.
Su obra es reconocida en su país y en el exterior, Roma, París, Miami y otras ciudades.
Creo que la pintura está reencontrando de vuelta el camino extramuros de la inmediatez de las galerías. Y si bien es cierto que estos espacios, sirven para encuentros y promoción de nuestro quehacer, es necesario a la vez volver a una suerte de edad oscura, íntima, donde nos juguemos fuera de esa agenda que Augé con tanta claridad describe.
Pintar, es comulgar con una sinceridad sin límites y en eso adhiero a las posturas de Odd Nerdrum y Paul Rumsey, que igualan en actitud la de Arvo Part o Górecki en música o el cine de David Lynch o Greenaway.
Mis obras tratan de ofrecerme a mí mismo lo que no veo en el resto de la pintura. Y aunque parezca una afirmación vanidosa, no lo es, ya que mi único anhelo es superarme técnicamente para encarnar las ideas que se me cruzan por descabelladas que estas sean.
Sólo encuentro libertad en los espacios ambiguos, en esos rostros que están más allá de lo femenino o lo masculino.
¿Qué es el arte?
Aquello que nos lleva a expresar el contenido que llevamos dentro; emociones, sueños.
Es aquello que nos sumerge en la inmensidad del universo y nos transporta hacia un infinito desconocido e inesperado.
Nace en Buenos Aires, Argentina en 1949. Con una amplia trayectoria iniciada en Computación Científica, Diciero logra convertirse en una destacada y multifacética Artista Plástica que refleja sus sueños desde Buenos Aires, a través de la pintura, las Instalaciones lumínicas, el dibujo y el arte digital.
Intervino en más de 480 muestras en Museos, Galerías, Centros Culturales, Ferias y Bienales tanto argentinas como internacionales. Realizó 39 muestras individuales en Argentina; participó en ferias de arte como Arteba 2001 y 2002, Expotrastiendas 2004/6/7, Arte Clásica 2004/5/6 y Expo-artistas de 2005 a 2010 y 2014 al 19.
Intervino en certámenes nacionales, municipales y privados donde obtuvo 49 premiaciones; en estos días recibió una distinción por su trayectoria y gran aporte a la cultura italo-argentina por parte del Comité al exterior dependiente del Consulado italiano. Fue seleccionada en el XLVIII y LIII Salón Municipal Manuel Belgrano.
Se desenvolvió como jurado en concursos de pintura y escribió para la Revista 5 artes.
En el exterior, expuso en Alemania, Austria, Bélgica, Brasil, Chile, Croacia, Cuba- Bienal de La Habana 1996, España, Francia, India, Inglaterra, Italia, México, Puerto Rico Feria Arwy, Rumania, Uruguay, etc. En Dinamarca participó de la Bandera “Amor y Paz”, en Turquía en el mural “Horrores de la guerra”. Fue representada por 8th Elephant Contemporary Art Gallery, New York, USA, durante 2006 y 2007.
En 2000 irrumpe en el Arte con sus cajas lumínicas donde cada frente es una lámina de resina o acrílico y la luz llega de atrás; éstas son presentadas en conjunto como Instalaciones obteniendo un efecto visual impactante.
Desde 2012 desarrolla arte digital.
Ilustró el libro “Todo lo que has de olvidar” (2013) de la escritora chilena Cecilia Conejeros Morales, dos libros de poesía “Estuario, remotas estancias” (2005) y “Yace partido el puente de la niebla” (2014) cuya autora es la escritora mexicana Reyna Armendáriz González y un libro virtual infantil on line.
Su obra figura en numerosas publicaciones argentinas y foráneas: diarios, revistas, libros, Cds y sitios de Internet. Fue un verdadero honor cuando la escritora rumana Hedwig Brenner la incluyó en el 4º Volumen de mujeres artistas provenientes de Europa del Este de origen judío.
Alumnos de pre-escolar, primaria, secundaria y estudiantes de Museología, del IUNA y de Periodismo han realizado trabajos basados en su arte, inclusive universitarios de Bellas Artes de Costa Rica y Colombia. Se recomienda el estudio de sus cajas lumínicas en Instituciones educativas de España.
Parte de su obra se encuentra en Instituciones del país y del extranjero, y fue adquirida por coleccionistas privados de Argentina, Alemania, Brasil, Croacia, Chile, España, Italia, México, Perú, Puerto Rico y USA.
Al entrar en contacto con el Arte, participamos con nuestra mente, nuestros sentidos y nuestra sensibilidad, logrando una experiencia estètica que serà diferente para cada individuo.
El poder de la sensibilidad
Si es cierto que, como decía Baudelaire, el arte no se explica, se siente, entonces no cabe dudas de que Julia Farjat es una verdadera artista: su obra tiene la rara capacidad de lograr conmover al que la observa, más allá de que cada pieza pueda tener tantas lecturas como espectadores. Es una obra poderosa. Tiene una fortaleza interna, potente, que nace de sus propios sentimientos y sensaciones.
Parte de un profundo respeto por el arte, por la escultura, por los materiales con los cuales trabaja. El mismo respeto con el que habla de sus maestros: Tavella, Balietti y Agosta, de cada uno de los cuales, toma algo distinto. Todo puesto al servicio de la expresión, de la comunicación. Se ha dicho que la obra de Julia “parece hecha por un hombre”, aludiendo a la fuerza que maneja. Esta afirmación, más allá de las obviedades machistas que se pueden deducir, tiene una ambivalencia que se percibe al conocer al artista: uno se enfrenta a una mujer delicada, casi frágil, cálida, sutil. Todos adjetivos que también se adaptan a su obra, pero al mismo tiempo cuesta imaginarla con una motosierra en mano o con un soldador trajinando chapas que le doblan la altura. Sin embargo, para el ojo más cercano, la ecuación cierra: esa fuerza, esa propia vida. Julia esculpe como vive: intensamente.
En estos tiempos, en que tantas veces la novedad es tomada como un mérito en si misma, Julia abreva en lo más clásico de la estética americanista, sin perder de vista su propia expresión. Es un ejemplo de coherencia, prueba de que el arte está allí donde se plasme una verdadera emoción, conjugada con una técnica impecable, lejos de efectismos y juegos visuales. Julia no se conforma nunca. Indaga en los materiales (creo que no ha dejado uno sin investigar), indaga en las formas, indaga en las terminaciones y planteos.
Investiga incesantemente en una tarea continua y empecinada: sin pausa, viene trabajando un lugar de humildad que la hace enorme, con mucho menos de la mitad de lo que ha conseguido en su trayectoria artística y sin embargo, Julia Farjat continúa con la misma intensidad de la primera vez.
Empieza todo los días desde el principio, porque lo hace por el placer de la obra en sí, por el placer del encuentro con el material. Y el material, necesariamente, le responde.
Creo que su enorme fuerza radica en no esconder su sensibilidad, su aparente fragilidad. Radica en asumirla y transformarla en un arma.
Florencia Salas
MANIFIESTO DE ESTANDARTES
Cuando pienso en Estandarte, pienso en el concepto de una poética colectiva con morfología libre.
Entonces aparece la posibilidad de trabajar la pintura con articulación móvil y sin marco, tomando la idea de Estandarte para transmitir mensajes de comunicación y denuncia incluyendo los métodos gráficos que nos ofrece la xilografía.
En cuanto al sistema de Estandarte como tenso-estructura contiene componentes que las hacen más económicas, transportables, sociales y ambientalmente viables para el nuevo arte sostenible al poseer las siguientes características:
-Eficientes y ligeras a partir de materiales de mínimo peso y masa.
-Superficies con materiales traslucidos que favorecen una iluminación natural.
-Materiales reciclables que no dañan el entorno natural.
La oposición al arte convencional me provoca la pura sensibilidad de la búsqueda a través de la abstracción geométrica y de la aceptación de la ortogonalidad (basada en el número de oro) sin alfabetismos y la imagen de la NO figuración.
Siendo etimológicamente la geometría, medida de la tierra, me aporta a la construcción visual la idea de un orden espacial y la relación entre las formas. De este modo llegamos a lo que llamamos geometría sensible o geometría sagrada.
Pensemos en un sistema de creación de un arte y una arquitectura con morfologías biológicas que incorporan la energía espiritual, es decir el reconocimiento de las relaciones que subyacen en todos los organismos vivos. Formas que se organizan según patrones, proporciones, códigos, símbolos que estructuran los sistemas más o menos densos, constituyendo la fuente y base metafórica de la creación. Geometrías que permiten el desarrollo y la evolución de organismos vivos y de la conciencia global del Cosmos. En una geometría que pueda integrar las diferentes propiedades perceptivas con el fin de dar señales entre percepción y expresión.
Así como en el pasado tenía el objetivo de capacitar la mente para medir las relaciones cósmicas , la propuesta es que esta actividad fría y matemática se transforme en una disciplina sensible para que nos sirva como instrumento de una búsqueda tanto intelectual como espiritual.
Nacido en Madrid, residente en Buenos Aires desde 1998.
Mis comienzos en el origami se remontan a 2010 (como pasatiempo, plegando obras de otros artistas y aprendiendo por mi cuenta las diferentes técnicas mediante libros e internet).
Los últimos dos años y sobre todo este último han significado el paso a la creación de modelos propios, con diversos tipos de papel y especialmente mediante tres técnicas concretas que me permiten plasmar en papel mi formación como ingeniero (origami modular, teselados y snapology).
Las formas geométricas que aparecen en todas mis obras, tanto en los teselados como en el origami modular, reflejan mi pasión por la simetría, buscando además en el caso de los teselados los juegos de luces y sombras que resaltan los pliegues del papel.
Desde hace varios años participo con algunas de mis obras en la exposición permanente de Arte y Cultura en el Jardín Japonés de Buenos Aires.
He participado también en exposiciones e impartido talleres en diversas convenciones de origami.
- Convención Origami Argentina Buenos Aires 2012
- Convención Origami Argentina Santa Fe 2014
- Convención Origami Argentina Córdoba 2016
- Convención Origami Argentina Mar del Plata 2018
- Japón en Mendoza 2014
- Japón en Puerto Madryn 2015
- Japón en Formosa 2016
- Japón en Bahía Blanca 2017
- Japón en Catamarca 2018
- Japón en Chascomús 2019
- Japón en José C. Paz 2019
- Expoartistas 2017
- Expoartistas 2018
- Museo del Origami en Colonia (Uruguay) 2019
Artículos sobre origami publicados en Origami USA, AEP España, Origami Argentina.
En preparación, libro sobre teselados.
Mis plegados pueden verse en la plataforma FLICKR: FLICKR MGANANS.
Ruth Patricia García domina una remarcable figuración puesta al servicio de intensos universos subjetivos. La paleta en colores pasteles refleja sugestiones poéticas perdidas en el diáfano y romántico gesto. Una tenue e intermitente difumación juega con las sombras a indeterminar la nitidez de toda materia; presencia devenida ausencia y luego ensoñación.
En este espacio resplandeciente su aura sugiere una energía lánguida que suaviza y distiende el poder superlativo de la emotividad, una hipérbole de significaciones ocultas manifestándose al unísono como una revelación preciosa.
Ana Piasek
Lo mas importante de nuestro trabajo no es el resultado, sino el proceso por el cual organizamos, la forma, la lìnea, el color y asì poder trascender con una obra creativa, y que nos identifique
El arte es lo único para expresar el razonamiento sensible del mundo.
Gráfica contemporánea
Serie Fotogramas
En mi obra gráfica busco rescatar la fugacidad del tiempo, detenida en el instante en que se toma una fotografía.
La técnica de fotolitografía me ofrece la posibilidad de aunar la fotografía y el grabado, de estampar con un proceso manual, con todo lo calculado, controlado e impredecible a la vez que promete el manejo de una técnica gráfica.
Recrear y componer mientras imprimo, tener la posibilidad de modificar una imagen fotográfica y transformarla en grabado, convertir lugares cotidianos en espacios por revelar, esa es mi búsqueda, deseando que el tiempo no desvanezca lo que acaba de suceder.
Fotografía es el punto en el espacio donde la luz dibuja un instante… y sigue. El día que comencé a hacer fotos, fue el día en que quedé atrapada en esa ilusión
La artista nos presenta una riqueza de colores que expone el control y el
acento preciso que solo la mano de un afinado experto puede
alcanzar.
Daniela Laberne hace una mirada introspectiva de ella y el mundo, para
crear un lenguaje cromático más allá de la forma y el espacio, logra
conceptualizar la vida de los colores y expresarlos con libertad, pero
también como diseñadora puede seguir pautas e integrar procesos.
La abstracción plasmada en sus lienzos transciende lo literal de los
títulos, trata de comprender y simplificar los temas para que sus cualidades
inherentes ocupen un lugar preponderante sin ninguna distracción innecesaria.
Cada obra cobra vida ante la presencia del espectador y el espacio, el formato desus piezas se convierten en explosión de luz y color, elevando la conciencia como la sensibilidad de quién se aproximan a leerla.
Laura Palazzi Von Buren
Artista Plástico / Crítico de Arte
Daniela Laberne hace del color una metáfora que describe su esencia, su
itinerario personal, su transitar. La movilidad y variabilidad de sus pinceladas
catalogan su obra como legitima heredera del impresionismo. Colores
vibrantes dotados de sus propias significaciones, el color como signo y
símbolo.
El equilibrio y armonía presente en sus lienzos crean atmósferas que
transforman los espacios, atrapándolos en una especie de caleidoscopio
sensorial, su conocimiento intuitivo del color, transmuta el gesto en una danza
lúdica con la tela.
La obra de Daniela de características abstractas inicia una nueva etapa donde
empiezan a emerger figuras veladas, que escondidas se dejan apenas ver tras
copiosos planos de color y texturas.
"A través del color pueden ser comunicados valores morales como el amor, lasinceridad, la fe" (Goethe 1810), lo cual se emparenta perfectamente con laspalabras de la artista, quien se autodefine como un ser de color y risa. Amor, pasión, calidez, pureza, constancia y alegría se desprenden de cada una desus obras con una sincronización intuición-alma, claro ejemplo de su
honestidad como artista y como ser.
Chemir Colina
Curadora / Investigadora de Arte
Su paleta transforma referencias del pasado sobre el mundo exterior, hacia la
abstracción pura, al adoptar un equilibrio asimétrico y un vocabulario pictórico
simplificado.
...cada obra de Daniela Laberne tiene la habilidad de crear un “asombroso" y
particular momento para el espectador.
Mariavelia Savino
Curadora
Art Nexus
Lo bello es siempre extravagante. Baudelaire
El dibujo es el eje de mis trabajos, cuerpos que no obedecen al canon de la perfección, rostros expresivos que dejan translucir conflictos de su pasado, manos que se crispan, pies desnudos, escorzos exagerados, seres mitológicos, mágicos y contradictorios, y algún texto, que intenta hilvanar el retrato con la literatura.
Carbonilla y tiza pastel sobre papel misionero confieren a la obra el color y el dramatismo buscados.
Aunque a veces la creatividad pega un giro de ciento ochenta grados, desaparecen los pinceles y aparecen los hilos, las telas se cubren, entonces, de puntadas, nudos, bordados, dando forma a coloridos insectos, hojas, plantas, flores…
retratos de un paisaje imaginario que crece entre un ir y venir de agujas y bastidores.
Otras veces las figuras toman volumen, se corporizan en divertidas esculturas que nacen del material de descarte.
El reciclado de lo que ya no sirve se transforma en auténticos personajes que habitan sus mundos irreales, que tienen nombre propio, que ostentan su historia cíclica de morir y volver a nacer con otro cuerpo.
Juegos creativos que transitan entre la oscuridad y la luz, entre las sombras y el color, entre la melancolía y el júbilo.
Cuando se hace del arte una forma de vida, el mundo de las posibilidades es infinito.
Liliana Lisone
Sobre mis obras:
Trabajo con materiales sustentables, PROYECTO 3R es una Serie de esculturas, cuadros, instalaciones que se basan en Reducir Reciclar y Reutilizar, que por medio de una intervención y ensamble de piezas en desuso, van moldeándose hasta fundirse y renacer en una nueva forma artística.
Menciones:
2004 - Fundación Osde
2017 - TACHA – Rosas Negras
2018 - Fundación del Banco Itau
2019 CAAT – EPIBA Fotografía
En CCB/2019, presentó una serie de Instalación-Objeto, realizadas con muñecas antiguas que fueron restauradas, las muñecas son de los años 42/50 y 60, son de pasta y fueron ensambladas a objetos de resina y/o partes de ellos - pintada con acrílicos y óleos – alambres piezas en desuso; en algunas partes realice una transferencia de imágenes y escrituras.
"CARMEN pinta la Naturaleza rica en cromatismos, en sus paisajes, impresiones, su pincel es portador de instantes únicos del Universo."
Verónica Neker
Macro Fotografía
Verónica es una artista emergente con gran creatividad y con su forma particular de visualizar esa imagen, esa toma que para otros pasa desapercibida, ella plasma a través de su objetivo eso diminuto, pequeño, que forma parte de un todo y nos lo presenta de tal forma que deslumbra nuestros ojos.
La artista nos traslada a un mundo de imágenes que en la mayoría de los casos no podemos saber con exactitud de que se trata o que porción y de que elemento es la imagen que estamos observando, lo cual hacer que nuestra mente comience a adivinar o tratar de reconocer ese fragmento, y casi cuando estamos seguros, volvemos a dudar. En algunos casos su macro fotografía es una toma más obvia, para que el espectador pueda asociar fácilmente a que se refiere, provocándole así una satisfacción de saber de qué se trata, pero aumentando su ansiedad por intentar descifrar las incógnitas aún no resueltas.
Rompiendo con el formato rectangular tradicional de la fotografía, Verónica se impone un formato cuadrado de gran tamaño en todas sus obras, partiendo de 60x60 cm; siendo uno de los identificativo inequívoco de su labor fotográfica, como así también el hecho de trabajar con técnicas experimentales sin utilizar objetivos macro, logrando con sus imágenes un concepto diferente en obras fotografías.
Participó en la muestra "Emergentes en el Borges", febrero 2017, Expo-artistas 2016, 2017 y 2018, Centro Cultural Borges; en las cuales su obra tuvo gran aceptación por el público allí presente.
S.A.M
Nací en Capital Federal, Argentina.
Discípula de Ana Eckell y Guillermo Roux, en el exterior influenciada por Gerhard Richter.
Exponiendo en Argentina y en el exterior.
Trabajo capa sobre capa, de mi interior hacia el exterior.
El arte es el lenguaje de mi alma, que me permite romper la barrera entre lo creado y el creador.
La mente es extremadamente compleja, cuando pinto me tomo el tiempo necesario para aquietarla, es una forma de acceder en mi mundo interno, que me permito exteriorizar con total libertad. Espero que disfrutes de mis obras y te permitas navegar a través de sus elementos visuales con una mente abierta, que te permite percibir y re-descubrir, tú mundo único e irrepetible.
"Dispongo los colores sobre la tela y desde su movimiento ella me devuelve imágenes que van construyendo en el lienzo una realidad distinta. Disfruto del proceso, de la pasión que inunda mi ser separándome del mundo y en un instante, el menos esperado, siento que allí está la obra terminada, quizás presentida, nunca buscada.
Se dió la Magia."
Artista plástica. Desde sus inicios en 1993, trabaja en la pintura, el dibujo y la escultura utilizando diversas técnicas y soportes: pintura acrílica, óleo, tinta, lápiz, papel, resinas. En 2010 descubre una nueva pasión: el papel de diario y la cinta adhesiva.
Desarrolla una serie de esculturas con un modo personal de construcción a partir del bollo de papel y la cinta adhesiva (no cartapesta, sino que desarrolla una técnica propia), junto a los conceptos de reciclado y medio ambiente.
Llevo más de 40 años trabajando con mis manos y dejándome llevar por el camino del proceso creador, reflejos de un inconsciente que aflora.
He pasado por variados materiales, experiencias, aprendizajes con grandes maestros, pero siento una atracción especial por las artes del fuego, alquimia inmanejable.
El vidrio material duro y frágil me ofrece la posibilidad de experimentar, no da certezas, pero si la sorpresa constante, eso permite comenzar a transitar el desafío de encontrar la estructura, que luego de un minucioso trabajo, dará vida a la obra que me hace sentir que una parte de mí quedará plasmada allí para siempre.
"En busca de la belleza, a través de mi mirada interior"
La obra pictórica de Patricia Saporiti es diversa, profundizando tanto en la abstracción como en el paisaje, exhibiendo gestos cromáticos informales o bien composiciones generales con vistas de la naturaleza, ríos, campos, mar, o entornos rurales con casas de gran singularidad.
Su última producción exhibe la expresividad de la abstracción compuesta por evidencias cromáticas, por sensaciones visuales intensas, llenas de dinamismo. Su abstracción es lírica, poética, llena de belleza sensual y efusividad.
Trabaja en óleo, y tambien en óleo y acrílico sobre tela combinados, sin abusar de la materia...
Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
ALFREDO SEGATORI “Pelado”. Muralista Urbano. Autodidacta. Desde 1989 trabaja en la pintura mural utilizando la técnica del aerosol a mano alzada free hand. Pionero del Arte Urbano, fue uno de los primeros en salir a pintar las paredes de la Ciudad de Buenos Aires, llevando el Arte al Espacio Público.
Si bien posee cientos de obras realizadas en todo el país y en el exterior, un hecho icónico de su carrera se vincula a la realización del mural “El regreso de Quinquela” en el año 2015 con gran repercusión mediática a nivel nacional y en el mundo.
Amante de los desafíos y la innovación está siempre en la búsqueda de nuevas técnicas, materiales y herramientas para la realización de su obra, en la actualidad realiza murales escultóricos con chatarra y descartes en grandes dimensiones. Su atelier está ubicado en la Cooperativa de Recicladores Urbanos El Ceibo, con quienes mantiene una alianza para el desarrollo de este tipo de proyectos.
Silva, María Esther
Buenos Aires, Argentina
Nace y vive en Buenos Aires, y ha sentido la pintura como una necesidad para expresarse, es una elección con la cual nutre su vida. Es un juego de líneas y manchas, aparecen seres, muestran su desnudez como prueba de su desamparo, impotencia y a la vez su fuerza.
ESTUDIOS:
Licenciada en Artes Visuales, especialización en Pintura. Instituto Univ. de Arte P. Pueyrredón.
Post grado en “Medios y Tecnologías para la producción pictórica”. Instituto Univ. de Arte P. Pueyrredón.
Ha cursado seminarios de arte terapia.
Dictó distintos cursos en talleres especiales
Taller Atelier de Olivos
Buenos Aires, Argentina
Tomatis Boerr, Beatriz
Buenos Aires, Argentina
Mis pinturas…..Son mis pensamientos.
Allí expreso mis sueños…. O quimeras, tal vez
Pero son reales al plasmarlas, según mi estado de ánimo…
Y tu verás lo que quieras ver
Estas obras llevan hacia el bienestar y el equilibrio físico, psíquico y espiritual.
Permiten que la mente emita flujos creativos, dejando fluir, que la esencia se exprese.
Basadas en una experiencia de vida.
No imagino mi vida sin los pinceles, los siento una prolongación de mis manos.
La pintura me produce placer y me transporta a un mundo imaginario
….Beatriz Zucaro es una pintora que puede representar este mundo complejo, su pintura de razones metafísicas, puede ser un buen ejemplo de esta constelación cultural.
Su obra posee una multiplicidad de facetas que fue construyendo al encarar una estructura pictórica donde la alegoría toma la naturaleza de una utopía. Esta pintora posee los rasgos de su origen latino. Descendiente de italianos, ella procede de esa genealogía, que ha tenido en la Argentina una fuerte influencia.
Tomemos el caso que nos concierne, en cuanto a la escuela metafísica, que nos brindara a destacados pintores, como Antonio Berni, Ernesto Farina, Fortunato Lacámera, Onofrio Pacenza, Víctor Cúnsolo, entre otros artistas de reconocido prestigio, cuyo paso por la metafísica a la manera italiana…
Rosa Faccaro. Cítica de arte - AACA - AICA